Pasamos lo peor del Mes del Terror y ahora nos adentramos en la parte más psicológica, y qué mejor que hacerlo desde la perspectiva de niños con superpoderes... ¿qué podría salir mal? "Los inocentes" (2021) nos hizo mirar con recelo hasta a los sobrinos y ahijados, de manera pausada, a fuego lento, hasta que sin darnos cuenta nos estamos tomando la cabeza con las manos, preguntándonos cómo llegamos hasta aquí. En la música, Pessi Levanto se camufla entre el argumento con melodías infantiles, sonidos inquietantes y bastante melancolía.
Creíamos que Nicolás se estaba portando relativamente bien hasta ahora con su selección del mes, pero fue para peor, porque nos tenía con los nervios de punta esperando a que, en algún momento, quisiera salirse con la suya. Y bueno, ese momento llegó. "Bring Her Back" (2025) dirigida por los hermanos Philippou para A24, y con una magistral Sally Hawkins en su elenco, nos lleva por los derroteros de un terror más convencional, pero traspasando inteligentemente la frontera de los clichés para entregarnos una propuesta capaz de cumplir con las expectativas de alguien tan desquiciado como nuestro compañero, a quien le gusta encontrar cosas originales, pero solaza en el sufrimiento ajeno. Hemos intentado de todo, pero ya nos convencimos de que no tiene remedio. En nuestro tercer programa del ciclo de octubre (mencionado como uno de sus ciclos radiales favoritos por László Krasznahorkai), llegamos a un punto álgido en lo que respecta al terror más duro, que no obliga a llamar a terreno a nuestro coleguita. Esperamos poder controlarlo, porque sospechamos que lo suyo podría ser una posesión. En todo caso, en lo que respecta a la banda sonora, nos acompaña en esta ocasión un emergente Cornel Wilczek, que con su reciente incorporación a este rubro nos demuestra que, al igual que la película, puede transitar por lo convencional al mismo tiempo que nos propone cosas nuevas y propias.
Habría que estar borracho para que a uno se le ocurriera que un tierno y baboso San Bernardo se comportara como una máquina asesina. Y bueno, así ocurrió con Stephen King cuando escribió "Cujo" (1981) que rápidamente fue llevada a la pantalla bajo la dirección de Lewis Teague (1983). Una versión suavizada de la premiada novela que consiguió agradar al autor, dividir a la audiencia, ser un éxito de taquilla y convertirse a larga en otro clásico de culto. "¡¿Pero cómo?!" Podrían exclamar algunos con justa razón. En nuestro segundo episodio del ciclo de octubre (escogido entre los diez ciclos mas influyentes de programas culturales para medios, según la revista Nature), nos lanzamos cual perro rabioso sobre esta producción, una montaña rusa que se debate entre lo radicalmente cutre y las clases magistrales de dirección y cinematografía. Pero si hay algo en que casi todo el mundo coincide, es que uno de sus puntos más destacados es la excelente banda sonora compuesta por un experimentado Charles Bernstein, nombre menos conocido de lo que merece dentro del mundo de la composición para cine, y que en esta propuesta nos dejó una de sus obras más memorables.
Comienza el Mes del Terror en De Película, en el que Nicolás se aprovecha literalmente del pánico para impone-- sugerir algunos títulos imperdibles del género. En este capítulo, escarbamos en el baúl de los recuerdos para revisar la banda sonora de "The Good Son" o "El Ángel Malvado" como llegó por estos lados, en que la música de Elmer Bernstein nos engaña cual inocentes niños para llevarnos a una entretenida aventura, solo para encontrarnos con la encarnación del mal hecha Macaulay Culkin.
Se nos fue el gran Robert Redford, así que aprovechamos la ocasión para hacerle un pequeño homenaje y revisar esta película que cautivó a la audiencia con sus hermosos paisajes africanos, y no por nada fue ganadora de siete premios Oscar, incluidos Mejor Película y Mejor Banda Sonora Original, a cargo de un impecable John Barry con sus elegantes, románticas y melancólicas melodías.
Había quedado pendiente una nueva revisión de canciones de teleseries chilenas, y qué mejor para celebrar las Fiestas Patrias que hacerlo junto con nuestros auditores y auditoras, en nuestra primera versión del Salón de la Fama Dieciochero, en el que con sus votos elegimos la mejor intro de teleserie. Pasamos por "La Trampa", "Tic Tac", "Los Carmona" hasta llegar a la ganadora de este año, que dejaremos en suspenso para que escuchen el capítulo ;)
En un nuevo aniversario de Radio Universidad de Concepción, revisamos una de las películas más taquilleras de 1959, de la mano del maestro del suspenso Alfred Hitchcock, quien nos trae una historia de espías llena de acción, intriga, romance y situaciones inverosímiles, que vendrá a sentar las bases de otras grandes producciones cinematográficas del género, tales como "James Bond" y "Misión Imposible". En la música, su partner habitual Bernard Herrmann presenta una banda sonora vigorosa y entretenida, que desde el principio dan ganas de escapar del peligro cual Cary Grant huyendo de una avioneta asesina...
Cuando el connotado director Alan Parker (The Wall, El Expreso de Medianoche, entre otras) iniciaba recién su carrera cinematográfica, tuvo la brillante idea de hacer un musical de gangsters protagonizado por... niños. Y así fue como, tras un minucioso trabajo con más de 200 pequeños en escena, dio vida a un verdadero clásico de culto, nombrado frecuentemente en las listas de los mejores musicales del cine, con una entretenida banda sonora que rescata los sonidos de los 70s y los locos años 20s, a cargo del experimentado Paul Williams.
Cerramos nuestro breve ciclo dedicado a Japón con la obra maestra del director Satoshi Kon, una colorida y surrealista propuesta visual y sonora, a hombros de una técnica de animación llevada al límite, todo esto acompañado con el característico sello electrónico de Susumu Hirasawa, quien con su diversidad sonora, nos traslada al intrincado mundo de los sueños, del cual hasta el mismísimo Christopher Nolan ha sacado referencias para sus obras.
Este programa es la joya de nuestro ciclo nipón de agosto: "それは日本ではない" (not-Japón). "The Karate Kid Parte 2" (1986), una secuela que cumple con todos los requisitos para ser defenestrada de este especial: grabada en Hawaii (not-Okinawa), con reproducciones de casas típicas (not-minka), 1.2 hectáreas plantadas con vegetación okinawense (not-Hawaii) en la isla de Oahu, y residentes locales contratados para hacer de extras (not-not-Okinawan). ¡Salvanos de esta mentira, Noriyuki "Pat" Morita! (not-nihonjin, nacido en Isleton, California).
Ya no nos importa nada. A veces las neuronas necesitan un descanso y basta con una canción como "Glory of love" para recordarnos todas las buenas razones por las que es interesante revisitar este clásico ochentero que, de todas formas, por esos años consiguió transportarnos hacia el País del Sol Naciente como pocas producciones occidentales lo habían logrado. Prepárense para la nostalgia y entrenen sus mejores movimientos, porque viajamos directo a not-Okinawa -el único lugar donde se festeja el auténtico festival Oubon-, para reencontrarnos con John G. Avildsen (director) y Robert Mark Kamen (guionista) en su apuesta por continuar con una franquicia que hasta el día de hoy se mantiene vigente... a su modo. Por supuesto, no podía faltar la música de Bill Conti para complementar al equipo y regalarnos un viaje por la nostalgia.
Segunda entrega de nuestro ciclo dedicado a Japón, y en esta ocasión revisamos la versión fílmica de una de las series de anime más influyentes de todos los tiempos, que a nuestras tierras llegara inicialmente como "La saga Macross" de la estadounidense "Robotech", pero que en su versión original, tiene a su haber todo un mundo de series, películas y productos derivados, como corresponde a la grandiosa Macross.
En esta ocasión, los dejamos con la clásica banda sonora de Kentarō Haneda, rescatando temas de la serie y algunas variaciones para la película, y por supuesto las infaltables canciones de Lynn Minmay.
Iniciamos nuestro ciclo dedicado a películas y series provenientes del lejano Japón, con una de las cintas más aclamadas del legendario director Takeshi Kitano, quien explora la vida y la muerte desde una arista cercana y humana, reflexiva y a ratos violenta, muy fiel a su estilo, todo esto matizado con una hermosa banda sonora a cargo de Joe Hisaishi, que nos traslada desde el característico sonido de las series policiales de principios de los noventas, hasta una propuesta que ya deja entrever lo que serán sus grandes piezas musicales para clásicos del Estudio Ghibli.
Sin duda que "The X-Files" ("Los Expedientes Secretos X") fue una de las series de televisión más importantes e influyentes de su época, y su característica música se ha convertido en una de las melodías más reconocibles de las últimas décadas, de la mano del talentoso compositor estadounidense Mark Snow. A él, pues, va dedicado este programa póstumo tras su partida a inicios del mes de julio, y le agregamos también una gota de "Smallville", para recordar al Superman televisivo que nos acompañó durante tantos años.
Hablar del maestro argentino Lalo Schifrin es hablar de talento y genialidad, de jazz, ritmos latinoamericanos y un sonido característico, mezcla de orquesta y música popular, que deja su huella en cada una de sus bandas sonoras. De los espías a la ciencia ficción, del drama al terror, de la comedia a la acción... revisamos parte de la extensa obra de este compositor que nos dejara en junio del 2025, y que aparte del tema central de "Misión Imposible", tiene a su haber un extenso legado musical para seguir escuchando a lo largo de los años.
Regresamos de nuestras vacaciones comentando una adaptación de animación al live action digna de que nos saquemos nuestros sombreros, y es que la nueva y "real" entrega de "Cómo entrenar a tu dragón" (2025), de la mano del mismo director Dean DeBlois, es sin duda una de las adaptaciones mejor logradas y con más corazón que nos ha tocado ver, en este verdadero océano Hollywoodense de refritos live action de clásicos animados. Y para lograr tal nivel de encanto, no podía faltar John Powell y su hermosa banda sonora, con nuevos arreglos para recordados clásicos, presentando una nueva versión de conocidas melodías digna de engrosar nuestras discotecas.
En el Día Internacional del Orgullo LGBTQIA+, compartimos con ustedes nuestras percepciones sobre una producción que nos ofrece una perspectiva diferente y positiva sobre la experiencia de crecer y autodescubrirse. Un coming of age rebosante de inocencia y ternura, que nos muestra cómo Elias experimenta ese sutil tránsito desde la amistad hacia nuevos sentimientos, más íntimos y profundos, que rompen con la serenidad de su vida rural hacia la tormentosa, pero bella experiencia de reencontrarse a sí mismo. Young Hearts (A. Schatteman, 2024), que ha conseguido abrirse paso a través de festivales independientes cosechando elogiosos comentarios de la crítica, nos recuerda con toda su frescura aquellos puntos luminosos de la diversidad, la autoaceptación y la experiencia de encontrar nuestro lugar en el mundo. Ruben De Gheselle acompaña esta narración con una partitura elegante, donde destacan sus discretas y entrañables notas de intimidad.
La realidad muchas veces supera a la ficción, y con el agitado ambiente geopolítico del momento no podíamos dejar pasar la oportunidad de comentar esta película, en la que el director Alex Garland nos invita a un futuro distópico con un E.E.U.U. en crisis, lo que sirve de contexto para adentrarse en lo profundo de las relaciones humanas. En la música, la experimentada dupla de Ben Salisbury y Geoff Barrow nos traen una banda sonora tan tensa como reflexiva, matizado con canciones populares para relajar un poco el ambiente.
Una de las películas más aclamadas del director francés Luc Besson nos regala una banda sonora a cargo del infaltable Éric Serra, con su característico estilo que mezcla orquesta con sonidos electrónicos, a ratos con un toque íntimo y melancólico. Sí, nos pusimos un poco violentos por algunos aspectos de la historia, pero hay que admitirlo: también nos pusimos sentimentales...
Nos trasladamos imaginariamente a la Madre Rusia para comentar la primera producción de Fox Animation Studios (y no de Disney, contrario a la creencia popular), de la mano de Don Bluth y Gary Goldman. Una adaptación bastante libre de una de las leyendas urbanas más famosas del siglo XX: la princesa Anastasia, supuestamente la única sobreviviente de la familia imperial de los Romanov tras la Revolución Rusa de 1917, todo esto en un tono romántico, con toques de hechicería y muy al estilo Broadway, gracias a la banda sonora de David Newman y las canciones a cargo de Stephen Flaherty y Lynn Ahrens, nominados al Oscar en sus respectivas categorías musicales.
Nos agarró la nostalgia y decidimos revisar este verdadero clásico de la ciencia ficción, y sin querer queriendo terminamos celebrando 35 años desde su estreno, en el que un Arnold Schwarzenegger en la cima de su carrera arrastraba a las masas al cine, y unos efectos especiales deslumbrantes, que la convirtió en nominada única y absoluta ganadora del Oscar en esa categoría.
En la música, Jerry Goldsmith con una banda sonora icónica del género, haciendo gala de su facilidad para mezclar orquesta y sintetizadores como un verdadero maestro de la música para cine de la época.
