« Ne te laisse pas décourager par ce que tu vois aujourd’hui : Dieu donnera la provision pour la vision. »

Dans cet épisode, Sibbecai aborde avec franchise et profondeur le thème du découragement chez les musiciens d’église. Il rappelle d’abord que c’est un passage inévitable pour toute personne engagée dans le service, mais qu’il ne doit jamais devenir une fatalité. Comprendre d’où vient ce découragement est essentiel pour le surmonter.

La première cause, selon lui, c’est le mauvais positionnement : servir à un endroit où Dieu ne nous a pas appelés. Il invite chacun à se remettre en question : “Pourquoi suis-je là ? Est-ce que c’est vraiment Dieu qui m’a placé ici ?” Être à la mauvaise place, c’est comme forcer un rond dans un carré : cela finit par casser.

La seconde cause réside dans les comparaisons et les attentes démesurées. Comme le peuple d’Israël découragé par la grandeur de ses adversaires (Deutéronome 1.28), beaucoup perdent courage en se comparant à d’autres plus talentueux. Sibbecai rappelle : “Dieu ne t’appelle pas à jouer comme une autre personne, mais à jouer comme toi tu joues.” La fidélité dans les petites choses prépare à de plus grandes.

Vient ensuite le manque de reconnaissance. Servir sans retour humain peut décourager, mais le verset de Colossiens 3.23 rappelle de tout faire “comme pour le Seigneur et non pour les hommes”. La motivation du musicien doit venir du regard de Dieu, pas de l’applaudissement des autres.

Il parle aussi du temps et de la patience : comme une graine qui doit mourir avant de porter du fruit (Galates 6.9), le service demande persévérance avant la récolte.

Autre origine : la fatigue. Entre répétitions, famille et travail, beaucoup s’épuisent. Pourtant, Jésus invite : “Venez à moi, vous qui êtes fatigués et chargés…” (Matthieu 11.28). Sibbecai met en garde contre les “pauses” trop longues, qui deviennent des portes ouvertes à la distraction et rendent le retour au service plus difficile.

Un autre danger est de servir sans relation réelle avec Dieu. Beaucoup jouent ou chantent sans vie spirituelle profonde : “Ce peuple m’honore des lèvres, mais son cœur est éloigné de moi” (Matthieu 15.8). Dieu cherche des adorateurs, pas des performeurs. Servir sans intimité conduit au vide spirituel et au sentiment d’imposture.

Le manque d’unité dans les équipes est également une cause majeure. Sibbecai évoque Éphésiens 4.3 : “Efforcez-vous de conserver l’unité de l’Esprit par le lien de la paix.” Trop souvent, on cherche l’harmonie musicale sans cultiver l’harmonie relationnelle. L’isolement et les malentendus nourrissent le découragement. Le leadership doit impulser une dynamique de service humble : “Celui qui veut être le premier soit votre serviteur” (Matthieu 20.27).

Enfin, il conclut par un encouragement fort : “Ne vous lassez pas de faire le bien, car nous moissonnerons au temps convenable si nous ne nous relâchons pas” (Galates 6.9). Le découragement n’est pas la fin, mais une invitation à revenir à la vision de Dieu, à la fidélité, et à la joie du service. Dieu donnera la provision pour accomplir la vision.

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Dans cet épisode, Kimpouni partage son parcours musical riche et sincère, de ses débuts au conservatoire à son engagement profond dans la musique d’église. Originaire du Congo (Brazza), il explique comment son éducation musicale classique a rencontré la réalité du terrain de nos églises, souvent marqué par le manque de musiciens et de moyens. Il évoque son apprentissage autodidacte, ses collaborations avec des figures du gospel comme Wesley SEME, et son implication dans plusieurs églises où il a dû jongler entre batterie, piano, et basse pour combler les vides.

Kimpouni insiste sur la différence entre aimer la musique et aimer servir Dieu à travers la musique, une distinction qu’il a comprise lors d’une prise de conscience spirituelle marquante. Il raconte comment, un jour, malgré une prestation techniquement brillante, il a ressenti l’absence de la présence divine — parce qu’il jouait « pour prouver, pas pour adorer ». Cette leçon l’a transformé.

Il aborde aussi avec franchise les tensions dans les églises, entre exigence musicale, niveau disparate, manque d’engagement, et parfois négligence des musiciens. Il prône la patience et la maturité, sans jamais renier le droit à l’excellence. Il partage sa frustration face aux musiciens qui privilégient les strass et la reconnaissance séculière, et rappelle que beaucoup sont aspirés par ce monde sans y avoir été envoyés par Dieu.

Il ouvre le débat du paiement des musiciens d’église : pour lui, être rémunéré n’est pas un problème en soi, tant que ce n’est pas la motivation première. Il dénonce aussi l’organisation irréaliste d’événements religieux sans budget, sous prétexte de "marcher par la foi", et appelle à plus de stratégie et de sagesse. Kimpouni termine en affirmant son appel à servir exclusivement dans le cadre spirituel, malgré les opportunités dans le monde séculier.Rejoins-nous sur Instagram : @musiciendeglise

Dans cet épisode de Musiciens d’Église, Sibbecai reçoit Rich, un musicien multi-instrumentiste passionné qui a grandi dans une communauté haïtienne à Saint-Martin. Dès l’âge de 12 ans, Rich découvre une passion profonde pour la musique, débutant par le piano, puis élargissant son spectre à la guitare, la basse et la batterie. Malgré l’absence de musiciens dans sa famille et quelques réticences paternelles au départ, sa détermination et son amour pour la musique chrétienne l’ont mené à servir très jeune dans son église.

Rich témoigne de son parcours autodidacte, formé à l’oreille plutôt qu’au solfège, et de la richesse musicale de son contexte d’origine, où les tonalités s’enchaînent sans filet, développant chez lui une capacité d’adaptation remarquable. Son arrivée en métropole, dans une autre église haïtienne, s’est faite naturellement, son niveau musical lui permettant de s’intégrer et de contribuer pleinement.

Rich explique que son appel à la louange ne s’est pas limité à la pratique instrumentale, mais s’est ancré dans sa foi : baptisé à 14 ans, il s’est toujours senti à sa place dans ce ministère. Pour lui, jouer à l’église, c’est avant tout rendre gloire à Dieu et répondre à un appel spirituel, bien plus qu’un simple engagement musical.

Il aborde aussi son désir de transmettre, sa vision du leadership musical et l’importance d’encadrer les autres. Sa polyvalence sur les instruments lui donne une vision globale de la musique, lui permettant de mieux interagir avec les autres musiciens et d’adapter son jeu en fonction de leurs rôles.

Rich distingue deux formes de préparation : celle liée à l’exercice technique (qu’il avoue négliger parfois) et celle liée à la préparation d’un set de louange, qu’il fait principalement à l’écoute et dans la visualisation mentale des morceaux.

Il partage un moment marquant où, alors qu’il ne connaissait pas un chant, il a ressenti l’inspiration divine le guider au piano. Il évoque aussi l’importance d’avoir un directeur musical (DM) pour assurer la coordination, tout en soulignant que l’unité spirituelle prime.

Concernant l’évolution de la musique dans l’église, Rich constate les apports et les limites des outils modernes comme Ableton et les séquences. Si cela facilite la performance, il met en garde contre une certaine paresse musicale qui peut s’installer.

Pour lui, le véritable moteur de la louange reste la présence de Dieu, l’amour fraternel, et la capacité à rester sensible aux besoins spirituels de l’assemblée, quitte à abandonner la setlist pour répéter une seule phrase inspirée.

Enfin, Rich termine sur un message fort : la louange est un appel spirituel sérieux, un lieu où Dieu siège, et donc un domaine particulièrement attaqué par l’ennemi. Il appelle ceux qui désirent servir dans la louange à s’assurer de leur appel et à s’y engager pleinement, en conscience.Rejoins nous sur instagram @musiciendeglise

Dans cet épisode, Paule Charleston, batteuse de 42 ans, partage son parcours musical atypique, inspirant et profondément humain. D’abord choriste dans Gospel pour 100 Voix, elle a découvert la batterie à 30 ans, après une carrière en danse et en chant. Malgré le retard apparent, elle se passionne pour l’instrument et y consacre ses journées entières, motivée par une éthique de travail héritée de ses parents.

Son entourage musical – composé majoritairement d’hommes – l’a soutenue, encouragée et formée avec générosité. Elle évoque notamment le rôle de mentors comme Grégory LOUIS, Mickael CARTESSE ou encore Aurélien LEFEBVRE. Le CRC (Centre du Réveil Chrétien) devient pour elle un véritable terrain d’apprentissage où rigueur technique et sensibilité spirituelle se rencontrent.

Paul raconte aussi la complexité de conjuguer maternité, intermittence du spectacle, et passion musicale. Elle illustre comment elle a dû réinventer sa manière de travailler : plus d’écoute, plus de ressenti, plus d’adaptabilité. Elle apprend à jouer sans répéter, à se fier à son corps (via la danse) et à son oreille plus qu’à des partitions ou des méthodes traditionnelles.

Dans une deuxième partie marquante, Paule aborde sa relation à la foi. Issue d’une famille chrétienne, elle quitte l’Église après une remise en question intense de la Bible et de son histoire. Pourtant, elle reste attachée à Jésus, qu’elle décrit comme « l’homme qui a tout compris à l’amour et au pouvoir de la parole ». Sa foi devient alors plus personnelle, plus intérieure, en tension avec les dogmes.

Elle conclut en affirmant que pour elle, le musicien d’église est un outil au service du message du pasteur. La musique est un vecteur puissant d’émotion et de transformation, un canal qui peut même mener à la transe spirituelle. À travers ses toms et ses kicks, Paule cherche à rejoindre les fidèles dans leur ressenti et à les emmener plus loin dans la prière.

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Michael Malobo, musicien d’église d’origine congolaise vivant aux États-Unis, retrace avec transparence et humilité son parcours musical. Né à Kinshasa et grandi en Normandie, il découvre la musique à 15 ans à travers l’église, bien qu’issu d’un environnement familial non musical. Il apprend le piano « à la congolaise », c’est-à-dire à l’oreille, sans formation théorique, en imitant les accords joués par d’autres.

Cette approche intuitive lui permet de jouer, mais sans compréhension musicale approfondie. Le déclic se produit lorsqu’il rencontre sa femme, puis Ruddy Cham, qui lui ouvre à d’autres styles musicaux et l’encourage à structurer son jeu. Ce choc culturel – sortir du sébène congolais pour découvrir le gospel américain – l’oblige à déconstruire ce qu’il croyait savoir pour reconstruire des bases solides.

Michael devient responsable de la commission musicale dans son église. Ce rôle est un défi : il doit gérer les écarts de niveau, introduire de nouvelles sonorités et faire évoluer les habitudes musicales du groupe, tout en faisant face aux résistances culturelles. Il apprend que l’imposition n’est pas la solution : il faut accompagner, écouter et adapter.

Son passage des églises européennes aux églises américaines est un autre choc. Il découvre une vision de l’église très différente : des chants "séculiers" comme Happy de Pharrell Williams y sont interprétés dans un cadre de série thématique. Si le fond est parfois spirituel, la forme le déstabilise. Cela soulève pour lui la question : qu’est-ce qu’un musicien d’église ? Est-ce un technicien, un artiste, un adorateur, un canal ?

Il évoque aussi ses doutes : aura-t-il le niveau pour servir dans une église américaine ? Il se confronte à l’élitisme supposé du milieu, mais découvre que l’excellence vient souvent de la structure et de la rigueur : équipes de planification, séquences audio pré-travaillées, auditions... Grâce à sa persévérance et au soutien de son entourage, il intègre l’équipe musicale.

Michael conclut en insistant sur l’importance de la vision du service : être au service de Dieu et des autres, et non de son propre talent. Il incarne une génération de musiciens en transition, entre cultures, entre héritage et modernité, entre passion et appel.

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Jennifer Sévère, musicienne et adoratrice issue d’une famille chrétienne et musicale des Antilles, partage avec émotion son parcours spirituel et artistique. Initiée très tôt à la musique par son père, elle découvre le piano à l’âge de 4 ans, révélant rapidement une oreille musicale développée. Ce lien père-fille, empreint de discipline et d’amour, l’amène à se former auprès de professeurs reconnus tels que Polanco Noël et Amos Charles.

Dès l’enfance, elle joue dans des festivals et chante avec sa sœur, vivant la musique comme une vocation naturelle. À 11 ans, son père l’encourage à prendre sa place dans l’église en posant un ultimatum. Elle y est accueillie chaleureusement par les musiciens, ce qui marque un tournant dans son engagement spirituel à travers la musique.

Jennifer considère la musique comme un canal spirituel. Elle se définit non comme pianiste ou chanteuse, mais comme adoratrice. Sa préparation musicale ne peut être dissociée de sa préparation spirituelle : prière à 3h du matin, nettoyage de l’église, bénédiction des lieux… Tout fait partie de son ministère. Elle insiste sur l’importance du cœur de serviteur : être rempli pour pouvoir transmettre, toucher les âmes, apporter la paix et la guérison.

Elle évoque aussi les défis du quotidien — organisation, responsabilités familiales — et insiste sur le discernement, la sagesse et l’humilité dans les relations entre musiciens d’église. Elle encourage ceux qui sentent un appel à se lever, à chercher des mentors, à ne pas attendre d’être "repérés", mais à prendre l’initiative, tout en gardant foi et crainte de Dieu.

Enfin, elle lance un appel aux musiciens expérimentés : transmettre, accompagner les plus jeunes, et ne pas craindre d’être dépassés. Donner, c’est grandir.

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« Donner le meilleur de soi dans l’adoration, ce n’est pas briller devant les hommes, mais honorer Celui qui est digne. »

Dans cet épisode de Musiciens d’Église, Sibbecai médite sur Jean 4:23-24 : « L’heure vient, et elle est déjà venue, où les vrais adorateurs adoreront le Père en esprit et en vérité. »

Il souligne que ce passage est central pour ceux qui servent à la louange. Adorer en esprit, c’est être pleinement présent – intellectuellement, émotionnellement et spirituellement. Trop souvent, les distractions ou le manque de préparation empêchent les musiciens d’être réellement attentifs à ce que Dieu fait dans l’instant. Être en esprit, c’est donner tout son être, sans se laisser détourner par la technique ou par ce qui se passe autour.

Adorer en vérité, c’est vivre une authenticité profonde. La musique étant un art qui transmet des émotions, on ne peut pas exprimer ce que l’on n’a jamais vécu. Chanter la grâce, le pardon ou l’amour de Dieu sans les avoir expérimentés, c’est « jouer un rôle » plutôt que témoigner. La vérité implique transparence et vulnérabilité : offrir à Dieu ce que l’on ressent réellement, pas imiter l’expérience des autres.

Sibbecai rappelle que la vérité ne change pas selon les saisons : Jésus n’est pas seulement « vrai », il est la Vérité. Adorer en vérité, c’est reconnaître Dieu pour qui il est, indépendamment de nos émotions ou de nos circonstances. C’est se prosterner devant sa grandeur et lui offrir le meilleur de nous-mêmes, comme Abraham l’a fait avec Isaac, ou comme Dieu a donné son propre Fils.

Enfin, il exhorte les musiciens à chercher une adoration qui va au-delà de la performance technique. La puissance de l’adoration réside dans l’authenticité, dans la profondeur de l’expérience personnelle avec Dieu, et dans le fait de donner à Dieu le meilleur, parce qu’il en est digne.

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Nathan BANYS, musicien martiniquais multi-instrumentiste (piano, guitare), est également infirmier de profession. Ayant grandi dans une famille chrétienne, il se convertit pleinement à 18 ans et s’engage activement dans la musique d’église. Il partage avec franchise son parcours musical, ses luttes, sa vision du leadership, et son approche pédagogique.

Il commence la musique de manière autodidacte avec le soutien de son père. Confronté à un manque de transmission claire dans l’église, il prend conscience très tôt de la nécessité d’apprendre à enseigner. Cela l'amène aujourd’hui à transmettre activement ses connaissances à travers des cours de musique, en particulier autour du gospel.

Nathan insiste sur l'importance de la discipline dans la pratique musicale et de l'équilibre entre technicité et spiritualité. Il croit fermement que la technique est un moyen d’expression, mais que sans cœur ni présence spirituelle, elle devient vide.

Sur le leadership en louange, il défend une posture collaborative, loin d’une logique pyramidale. Pour lui, le titre ne fait pas le leader : c’est l’action, la conscience de l’impact, et la capacité à considérer chaque membre de l’équipe qui font la différence.

Il plaide pour une louange incarnée, sensible à l’assemblée, et critique les approches trop rigides concernant les tonalités musicales. Enfin, il évoque aussi l’importance d’apprendre à gérer l’erreur et à rester focalisé pendant les moments de service.

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Dans cet épisode, Mickael Cartesse — batteur, musicien depuis plus de 30 ans — partage son parcours profondément enraciné dans la musique d’église. Issu d’une famille musicale, il commence à jouer dès l’enfance et est rapidement entouré de figures influentes du gospel francophone. Il revient sur un moment marquant lors d'une conférence au Congo, où l’onction ressentie pendant une prestation a confirmé la dimension spirituelle de son ministère musical. Pour lui, le musicien d’église est avant tout un serviteur spirituel, et non un simple technicien.

Mickael insiste sur l’importance de l’état d’esprit du musicien : peu importe la qualité du matériel, la disposition du cœur et l’intention font toute la différence. Il explique que dans les milieux séculiers, les conditions techniques et la reconnaissance sont souvent meilleures, ce qui peut expliquer pourquoi certains musiciens quittent l’église. Toutefois, il met en garde contre les mauvaises raisons de le faire, appelant chacun à discerner son appel véritable.

Il souligne aussi un manque d’évolution dans certaines églises, notamment au niveau des technologies, du matériel, mais surtout d’une compréhension artistique adaptée aux réalités musicales actuelles. Il appelle à plus de reconnaissance pour les musiciens qui ramènent dans l’église les innovations apprises à l’extérieur.

Enfin, il défend une approche équilibrée : un musicien peut évoluer dans l’église et le monde séculier, tant qu’il connaît sa mission et garde une rigueur spirituelle.

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« La voix, c’est un don. Ce n’est pas quelque chose que j’ai appris, c’est quelque chose que Dieu m’a donné. »

Dans cet épisode du podcast Musiciens d’Église, l’invité Samuel Quifouma partage son parcours musical et spirituel. Issu d’une famille chrétienne engagée, il commence la musique au conservatoire dès l’enfance, poussé par un père musicien autodidacte. Bien qu’il ait arrêté jeune, Samuel regrette cet abandon et envisage de reprendre ses études musicales. Son parcours de foi est marqué par une conversion précoce et un retour profond à Dieu après un détour par “le monde”.

Son service dans l’église passe par plusieurs étapes : louange, audiovisuel, puis retour au chant, son véritable appel. Il raconte une anecdote marquante de son enfance : un solo imprévu lors d’un spectacle de Noël qui a révélé son talent vocal. Ce moment a nourri en lui le désir de faire descendre la présence de Dieu par la louange.

Samuel insiste sur la préparation spirituelle comme fondement du service musical : “chercher la pensée de Dieu” est pour lui essentiel. Il considère que la technique est nécessaire, mais que l'onction est primordiale. Il défend une vision équilibrée : excellence musicale et soumission à l’Esprit.

Il évoque également l’évolution technique des églises, les outils modernes comme Multitrack ou Ableton, et la tension entre spontanéité et technologie. Enfin, il aborde l’écart entre l’enseignement classique du conservatoire et la réalité pratique du jeu en église, qu’il voit comme un exercice d’adaptation.

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"Il faut de la maîtrise pour que la performance ne prenne pas le dessus sur la louange."

Dans cet épisode du podcast Musicien d’Église, Emmanuel Thelisma, bassiste depuis plus de 15 ans, partage avec authenticité son parcours, sa vision de la louange et sa compréhension profonde du rôle du musicien chrétien.

cet épisode est une véritable masterclass de cœur et d’humilité sur le rôle du musicien chrétien. Emmanuel nous rappelle que la musique n’est pas une performance à impressionner, mais une mission à incarner, un pont entre ciel et terre, entre l’invisible et le tangible.

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Dans cet épisode introductif de son podcast, Sibbecaï, partage avec sincérité et passion l’origine de son engagement dans la musique d’église et le pourquoi de ce nouveau projet.

Ancien membre du groupe Sentinel Crew, qui a parcouru l’Europe et les Antilles pour chanter du reggae chrétien, Sibbe revient à son premier amour : le service dans l’église locale. Il constate un manque criant dans les communautés chrétiennes : les musiciens n'ont pas la parole. On les entend jouer, mais rarement s’exprimer. Il lance donc ce podcast pour donner une voix à ceux qui accompagnent la louange.

Sibbe raconte comment il a commencé la musique très jeune, presque par accident, en corrigeant sa mère lors de ses cours de piano. Suite à quoi, elle l’inscrit à son propre cours, et c’est ainsi que naît sa vocation. Très vite, il combine solfège et oreille musicale, mais réalise que dans l’Église, les partitions ne suffisent pas : il faut être capable de s’adapter, d’improviser, d’écouter l’Esprit.

À travers son parcours de plus de 25 ans de service musical, il met en lumière une problématique persistante : la pénurie de musiciens dans les églises, l’absence de formation adaptée, le manque de relève. Il refuse la solution de pansement (« déshabiller Paul pour habiller Jean ») et propose un vrai projet de formation pratique, ancrée dans les réalités du culte.

Son objectif est clair : former, connecter, transmettre. Il rêve d’un réseau d’églises où les musiciens pourraient se relayer, où les jeunes pourraient être formés efficacement. Ce podcast est donc bien plus qu’un divertissement : c’est une bouteille à la mer, un appel lancé à ceux qui ressentent un appel artistique et spirituel, mais manquent de cadre, de soutien ou de mentors.

Il veut parler technique, spiritualité, discipline, vulnérabilité, inspiration, pratique quotidienne. Il veut créer une plateforme où les musiciens, qu’ils soient débutants ou chevronnés, puissent partager leurs réalités, leurs luttes, leurs victoires, pour construire une nouvelle génération de serviteurs.

Sibbe termine cet épisode avec un message fort : ce podcast n’a pas pour but de buzzer, mais de toucher les bonnes personnes au bon moment. Il invite chaque auditeur à partager, commenter, réagir — et pourquoi pas, venir témoigner à son micro.

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