Известно, что после второй части франшиза о Терминаторе переживает кризис идей и стиля. Спустя несколько попыток реанимировать историю о киборге из будущего, стало понятно, что голливудский конвейер вновь зашёл в тупик, пытаясь повторить успехи прошлых лет. Однако есть одно продолжение, которое сейчас не кажется таким провальным – «Терминатор 3: Восстание машин». Может ли эта картина считаться примером удачного триквела? Попробуем разобраться!

Жанр подростковой комедии очень разнообразен, и «Возможности карьеры» — одна из подобных картин. Тем не менее, можно ли назвать этот фильм типичной подростковой комедией? На первый взгляд, он таким и кажется, однако на самом деле режиссёр и сценарист Джон Хьюз серьёзно модифицировал нарратив, сделав историю о парне и девушке историей о том, как человеческое общество погружается в культ потребления — и в чём заключаются последствия этого погружения. И в этом видео мы разберёмся, каким образом режиссёр делает обыкновенную комедийную мелодраму о подростках ярким высказыванием о самой сути тогдашнего и современного социума.

«Чужой» (1979), классика научной фантастики и космического хоррора, дал миру монстра, который по сей день является своеобразным эталоном экранного монстра. Однако фильм значительно расширяет и меняет как фигуру монстра, так и феномен ужаса. Прибегнув к современной философии и психоанализу, мы разберёмся, почему монстр в «Чужой» отнюдь не главная причина страха и ужаса.

Всем привет! В Хэллоуин мы решили посвятить этот выпуск творчеству одного из самых необыкновенных и ярких режиссёров современности, Тиму Бёртону. Выбрав несколько картин из весьма обширной фильмографии, мы попытаемся выяснить, как Бёртону удаётся совмещать в едином целом комическое и трагическое? Как можно говорить о страхе смерти и о самой смерти с юмором и гротеском? Как Бёртон показывает зрителю, что смерть - это часть жизни, и насколько тонка грань между этими двумя измерениями? Обо всём этом в новом выпуске #спорногомомента! Фильмы, которые обсуждаются в выпуске:"Биттлджус" (Тим Бёртон, 1988)"Сонная лощина" (Тим Бёртон, 1999) "Труп невесты" (Тим Бёртон, 2005) "Суини Тодд, демон-парикмахер с Флит-Стрит" (Тим Бёртон, 2007) "Франкенвини" (Тим Бёртон, 2012)

Всем привет! #спорныймомент возвращается! Новый сезон подкаста мы открываем интереснейшим обсуждением финального, 4-го сезона, сериала «Половое воспитание» («Sex Education»). Как создатели завершили арки персонажей? В чём заключается главный посыл сериала и как он раскрывался в течение всех сезонов? Почему «Половое воспитание» – это произведение, несущее в себе терапевтический эффект, и как оно демонстрирует важность психологической поддержки, взаимопонимания и общности среди людей? Эти и многие другие, не менее интересные темы, – в новом выпуске подкаста #спорныймомент! * Что обсуждается в выпуске: "Половое воспитание" (2019-2022, Лори Нанн)

В 2004 году на российские экраны вышел фильм тогда ещё малоизвестного режиссёра Тимура Бекмамбетова "Ночной дозор", одноимённая экранизация романа Сергея Лукьяненко. Релиз картины вызвал большую шумиху как в СМИ, так и в умах рядовых зрителей - на российский кинорынок, более-менее изживший кризис 90-х и ранних 00-х, выходит лента, масштабами своими практически ничем не уступающая голливудским блокбастерам. С появлением нового поколения, для которого советское прошлое - скорее далёкое воспоминание из детства, нежели навсегда потерянный образ утопии, возник и новый для российского кинематографа зритель, привыкший к более массовому, эксцентричному и яркому представлению. И подобное представление во всех его нюансах и избытках постарался воплотить в "Ночном дозоре" Бекмамбетов, позаимствовав множество паттернов из зарубежных сеттингов и стилей. В итоге, по прошествии почти 20 лет, мы имеем неординарную сборную солянку стилей и образов, некий консервированный вид безумной эпохи, с которой столь органично сросся жанр городского фэнтези. Что такое "Ночной дозор"? Очередной пример скоротечного постмодернистского хулиганства или этапный фильм для российского кинематографа? Выясним в новом выпуске #спорногомомента! Какие фильмы обсуждаются в выпуске: "Ночной Дозор" (2004, Тимур Бекмамбетов) Доп. материалы к выпуску: "Дневной Дозор" (2005, Тимур Бекмамбетов) Книжная сага "Дозоры" (1999-2004, С. Лукьяненко)"Гламур, реклама и тайные знаки в «Ночном дозоре»" (https://www.youtube.com/watch?v=FhMaw3dyiQg) P.S. Дорогие друзья! Команда #спорногомомента на время уходит в творческий отпуск. Пока неизвестно, насколько именно, однако за это время мы пересмотрим концепцию нашего канала и формат реализации контента. Всем хорошего лета!:)

Продолжаем обсуждать, в чём заключается фокус интерактивного кино. В этот раз целиком и полностью говорим об играх. Как взаимодействует между собой нарратив и геймплей? Как в интерактивном кино сами манипуляции с нарративом становятся геймплейными механиками, в которых игрок практически ставится вровень с режиссёром? И почему интерактивное кино по сей день остаётся дискуссионным вопросом? На все эти вопросы попытаемся ответить во второй части выпуска об эстетике интерактивного кино! Какие игры обсуждаются в выпуске: "Life is Strange""The Dark Pictures Anthology: Man of Medan""Twelve Minutes""A Way Out""Cyberpunk 2077" Доп. материалы к выпуску: "Игродром. Что нужно знать о видеоиграх и игровой культуре" (А. Ветушинский)"Видеоигры: Введение в исследования" (Е. Галанина)"Взлёт жанра интерактивного кино" (https://www.youtube.com/watch?v=zy8_jmn5MkU)"Иллюзорное интерактивное кино" (https://www.youtube.com/watch?v=xVFOe_dK6LI)

В разговоре о школьных комедиях мы плавно перемещаемся из "бурлескной" эпохи 90-х в более спокойные 2000-е и 2010-е. Что изменилось в репрезентации школьной жизни на экране? В чём заключается своеобразный "ренессанс" идей Джона Хьюза в представлении подростковой жизни? В комедиях 00-х и 10-х грани между миром взрослых и миром подростков стираются, однако не исчезают полностью - жизнь взрослого (который в старых комедиях выполнял функцию "подавления" подросткового свободомыслия) оказывается не менее проблематичной, чем жизнь подростка. Она также наполнена противоречиями; взрослые, как и дети, тоже не знают, как жить. Этот камень преткновения кардинально меняет эстетику школьных комедий: в 2010-х, пережив в себе яркую визуальную экспрессию 90-х и 00-х, фильмы подобного типа меняют жанр с комедии на психологическую драму. В фокус зрительского внимания попадает уже не "опереточный" конфликт школьных групп, но внутренние конфликты, личные проблемы и экзистенциальные вопросы, которыми задаются подростки, что наблюдают патологическое несовершенство мира. В чём заключается смысл данной трансформации мы поговорим в этом выпуске! Какие фильмы обсуждаются в выпуске: "Дрянные девчонки" (2004, Марк Уотерс)"Отличница лёгкого поведения" (2010, Уилл Глак)"Хорошо быть тихоней" (2012, Стивен Чбоски)

Всем привет! На связи #спорныймомент! В этом выпуске мы проследим пути развития школьных комедий - от синтвэйва 80-х до клиповой эстетики 90-х. В чём заключается особенность школьных комедий? Как повлиял на жанр Джон Хьюз? Почему фигура подростка в кино становится более многогранной и многомерной? Как фильмы о подростках стремятся преодолеть жанровые ограничения комедийного кино? На все эти вопросы мы попытаемся ответить в этом выпуске. Какие фильмы обсуждаются в выпуске: "Клуб "Завтрак" (1985, Джон Хьюз)"Бестолковые" (1995, Эми Хекерлинг)"10 причин моей ненависти" (1999, Джил Джангер)

В интерактивном кино зрителю отчасти даётся роль режиссёра и примерная свобода выбора: фактически, своими решениями зритель подводит историю к той или иной концовке. На сегодняшний день интерактивное кино скорее вотчина игростроя, а не кинематографа, поскольку интерактивность в кино, как показала практика, не совсем прижилась, и тому есть очень важная причина: даже не смотря на то, что кинопоказ в наше время во многом стал частным, зритель предпочитает наслаждаться законченным, сконструированным повествованием. Сознание зрителя довольно инертно и лениво; кино – это прежде всего созерцание и только потом действие, тогда как интерактивное кино апеллирует именно к действию, к постоянной готовности совершить выбор. Кроме того, интерактивное кино является одним из продуктов постмодернистской эстетики, где сам акт творчества, сознание творца как бы выворачивается наизнанку, и зритель фактически попадает в мир, в котором разделительная черта между условной реальностью произведения и действительностью вне произведения стирается. Возникает игра. Фигура игрока более активна: игрок больше включён в действие, он чувствует отдачу от игры, знает, что его решения и действия будут иметь последствия, и интерактивное кино, как этап между пассивностью обычного кинематографа и игровой областью, в идеале, должно было послужить мостиком между “старым” зрителем и нынешним “игроком”. Тем не менее, вышло так, что интерактивное кино практически полностью ушло в область игростроя, а кино так и осталось кино, потому что зритель всегда будет тяготеть к нарративу, что развивается вне чаяний наблюдающего сознания. Действительно ли интерактивность настолько чужда кинематографу? Почему зритель не хочет выбирать, не хочет играть? В чём заключается суть фигуры игрока, которая не выносит пассивность отстранённой зрительской позиции и желает быть постоянно включённой в игру? Об этом - в новом выпуске #спорногомомента! Какие фильмы/игры обсуждаются в выпуске: "Киноавтомат" (1957,  Radúz Činčera)"Ночная игра" (2016, Тобиас Вебер)"Dragon's Lair" (1983, Advanced Microcomputer Systems)"Phantasmagoria" (1995, Sierra On-Line)"Urban Runner" (1996, Coktel Vision)"Syberia" (2002, Microïds)"Fahrenheit" (2005, Quantic Dream)"Heavy Rain" (2010, Quantic Dream) Доп. материалы к выпуску: "Хардкор" (2015, Илья Найшуллер)"Чёрная зеркала: Брандешмыг" (2018, Дэвид Слэйд)"Любовь, смерть и роботы" (сериал, 2019 - ...)"Взлёт жанра интерактивного кино" (https://www.youtube.com/watch?v=zy8_jmn5MkU)

"Под Сильвер-Лэйк" - своеобразный синефильский арт-триллер от Дэвида Роберта Митчелла, режиссёра "Оно" ("It follows"). Сюжет завязан на конспирологических теориях, теневой стороне обыденной жизни. Людей окружает информационный шум, состоящий из кинокультуры, поп-культуры, СМИ, и в данном шуме присутствуют различные шифры и коды, доступные для понимания лишь "избранным" лицам. Митчелл создаёт гипертекстуальную мешанину из штампов, жанровых паттернов и образов, что в некоторой степени повлияло на итоговую оценку ленты от критиков и зрителей – приём оказался довольно прохладным. Замысел словно бы замазан переизбытком отсылок, цитат, параноидальных настроений, преследований. Митчелл взял за основу типичный хичкоковский приём, заключающийся в том, чтобы окружить главного персонажа неизвестной угрозой, постепенно повышать уровень тревоги и усиливать саспенс, и из банальной истории с исчезновением и расследованием создал комплексный, многомерный нарратив, погружающий зрителя в атмосферу, относительно близкую картинам Дэвида Линча."Под Сильвер-Лейк" при первом просмотре кажется очередным авторским вывертом, тем не менее это очень тонкая, аккуратная работа по своеобразной деконструкции текста, нарратива и жанра. Под стать постмодернистским опусам, этот фильм – попытка саморефлексии искусства, саморефлексии текста как замкнутой знаковой структуры, в которой всё подчиняется особым правилам. Какие фильмы обсуждаются в выпуске: "Под Сильвер-Лэйк" (2018, Дэвид Роберт Митчелл) Доп. материалы к выпуску: "Малхолланд Драйв" (2001, Дэвид Линч)"Большой Лебовски" (1998, Братья Коэн)"Полёты во сне и наяву" (1983, Роман Балаян)"Жил певчий дрозд" (1970, Отар Иоселиани)"Географ глобус пропил" (2013, Александр Велединский)"Generation "П" (2011, Виктор Гинзбург)"Ампир V" (2023, Виктор Гинзбург)

Всем привет! На связи #спорныймомент! В этом выпуске мы обсуждаем фильм "Ничего хорошего в отеле "Эль Рояль" режиссёра Дрю Годдарда. Годдард больше известен как сценарист: из-под его руки вышли истории "Монстро", "Война миров Z", "Марсианин"... В 2012 году на экраны вышел режиссёрский дебют американского кинематографиста "Хижина в лесу" - картина, ловко манипулирующая жанровыми штампами подростковых слэшеров и ужастиков и играющая со зрителем. Постмодернистские интенции "Хижины" продолжились и в "Ничего хорошего в отеле "Эль Рояль" (2018), после которого о Годдарде можно говорить как о режиссёре, предпочитающим разрушать классические нарративные конструкции, давать зрителю ложные зацепки и, как ни парадоксально, обманывая ожидания публики, приводить картину ко вполне закономерному финалу. "Эль Рояль" интересный пример, если можно сказать, "мягкого" постмодерна в кино, в котором жанр одновременно подвергается деконструкции, но вместе с этим остаётся главной движущей силой повествования."Ничего хорошего в отеле "Эль Рояль" - своего рода "неудачный" детектив, в котором ни интрига, ни расследование не работают так, как они работают в обычной детективной истории, в которой действие идёт от определённой тайны ко вполне определённой разгадке. Тем не менее Годдард создал невероятно насыщенное произведение, структуру и содержание которого мы и попытаемся проанализировать. Какие фильмы обсуждаются в выпуске: "Ничего хорошего в отеле "Эль Рояль" (2018, Дрю Годдард) Доп. материалы к выпуску: "Призрак" (2010, Роман Полански)"Фотоувеличение" (1966, Микеланджело Антониони)"Разговор" (1974, Фрэнсис Форд Коппола)"Четыре комнаты" (1995;  Эллисон Андерс, Александр Рокуэлл, Роберт Родригес, Квентин Тарантино)"Сияние" (1980, Стэнли Кубрик)"Омерзительная восьмёрка" (2015, Квентин Тарантино)"Убийство в Восточном экспрессе" (2017, Кеннет Брана)"Улика" (1985, Джонатан Линн)

Джон Макдона - британо-ирландский режиссёр, брат Мартина Макдоны, менее известный, чем последний, но обретший популярность в узком кругу киноманов. "Голгофа" - второй фильм запланированной трилогии, в которой режиссёр размышляет на темы смерти, одиночества, тревоги, жертвы, взаимопонимания. В "Голгофе" за жанровой "маской" трагикомедии Джон Макдона прячет серьёзную, тяжёлую историю об экзистенциальном одиночестве в мире, где больше не осталось ничего искреннего и человечного; религия, смысл жизни, философские мотивы, стоящие над сиюминутными желаниями и стремлениями, только слова, потерявшие истинное значение. В этом выпуске мы поговорим о том, как Джону Макдоне удаётся создавать "детективы без интриги", в котором действие приходит хоть и к ожидаемой, но очень чувственной развязке, и как можно говорить на тему одиночества и смерти в трагикомедийном ключе, не сбавляя пафос проблемы, но заостряя отдельные аспекты так, как это невозможно сделать в драме. Какие фильмы обсуждаются в выпуске: "Голгофа" (2014, Джон Макдона) Доп. материалы к выпуску: "Догвилль" (2003, Ларс фон Триер)"Миф о Сизифе" (А. Камю) P.S. Не Дилан Томас, а Дилан Моран!

"Город грехов" - название цикла комиксов, написанных в 1900-х Фрэнком Миллером, художником и писателем, который во многом предопределил суть и структурную форму современных комиксов. С подачи Миллера комиксы отошли от детской тематики, погрузившись в двойственный мир серой морали, где нет плохих и хороших, а есть люди с избитыми и израненными душами, где граница между добром и злом размыта, или её вовсе нет, где жизнь человека лишь игрушка в руках вышестоящих сил - тем не менее, именно в таком мире пробуждаются сердца, проникнутые истинным духом рыцарства. Но в художественных мирах Фрэнка Миллера добродетель обычно рядится в одежды животной жестокости, агрессивной маскулинности и броской сексуальности. В 2005 году Роберт Родригес экранизирует несколько новелл из цикла, объединив под общим названием "Город грехов". Картина представляет собой эксперимент по синтезу комиксной структуры и стилистики с художественной системой киноязыка; "Город грехов" можно условно отнести к жанру нуара, однако сам нуар течение разнородное и скорее является стилем, нежели самостоятельным жанровым ответвлением. "Город грехов" - это стилизация нуара, доведённая едва ли не до гротескного сочетания различных выразительных элементов, однако именно с этого фильма начинаются тенденции и возрождения кинокомикса (зрители видят, что комиксы в кино не только развлечение для детей, в них могут подниматься серьёзные темы, и экстраординарность стилистики не мешает, но, напротив, заостряет проблематику), и возрождение нуарной стилистики. Родригес и Миллер не столько возродили неонуар, но, что вероятнее, акцентировали следующий момент: нуар - не жанр, но стилевое направление, которое может интегрироваться в различные жанры и давать весьма интересные плоды. Какие фильмы обсуждаются в выпуске: "Город грехов" (Роберт Родригес, 2005) Доп. материалы по теме: "Китайский квартал" (Роман Полански, 1974)"Драйв" (Николас Виндинг Рефн, 2011)"Таксист" (Мартин Скорсезе, 1976)"Пёс-призрак: путь самурая" (Джим Джармуш, 1999)"Лицо со шрамом" (Брайан де Пальма, 1983)"Неприкасаемые" (Брайан де Пальма, 1987)"Мальтийский сокол" (Джон Хьюстон, 1941)"Двойная страховка" (Билли Уайлдер, 1944)"Почтальон всегда звонит дважды" (Тэй Гарнетт, 1946)

Продолжаем разбирать творчество Андрея Тарковского. В этом выпуске объясним, почему именно после "Зеркала" в режиссёрском дискурсе Тарковского значительно усиливаются религиозные мотивы и как с этим связано обострение эсхатологической темы, отсылающей к библейскому Апокалипсису. Кроме того, расскажем, какое значение обретает фигура юродивого в эстетической философии Андрея Арсеньевича. Можно сказать, что после "Зеркала" Тарковский больше открывается как мистический, "тёмный" творец, чьи произведения обращаются к зрителю не с позиции отстранённого рационального восприятия, а в контексте тихого, медитативного созерцания. Какие фильмы обсуждаются в выпуске: "Сталкер" (Андрей Тарковский, 1979)"Ностальгия" (Андрея Тарковский, 1983)"Жертвоприношение" (Андрей Тарковский, 1986) Доп. материалы к выпуску: "Тарковские. Осколки зеркала" (М. Тарковская)"Андрей Тарковский: стихии кино" (Р. Бёрд)"Художественная философия Андрея Тарковского" (И. Евлампиев)"Один день из жизни Андрея Арсеньевича" (Крис Маркер, 2000)"Тарковскому - 90. Почему это главный русский режиссёр?" (https://youtu.be/L9EprqbM6ig)"Как снимал Тарковский" (https://www.youtube.com/watch?v=sAxrBwdNQSs)

Творчество Андрея Тарковского знакомо многим. Даже те, кто далёк от кино, когда-нибудь да слышали имя советского режиссёра. И мало кого картины Тарковского оставили равнодушным – кто-то считает режиссёра абсолютным гением, другие говорят, что Тарковский – типичный представитель тяжеловесного и бессодержательного авторского кино, беспощадного к зрителю, который привык к линейным нарративным конструкциям, доступным образным структурам и понятным историям. Эти полярные точки зрения, тем не менее, объединяет тенденция абстрактного упрощения и обобществления эстетического и философского дискурса Андрея Тарковского, который включает в себя широкий диапазон различных тем, смысловых и символических мотивов, голосов, времён… В этом выпуске мы выделили несколько ключевых пунктов в фильмографии Тарковского и попытались объяснить, чем они важны для режиссёра и как они реализованы на экране. Кроме того, мы сняли с Тарковского маску “махрового” авторского концептуального кино, показав, что постановщик, часто ругавший жанровые фильмы из-за примитивизации, не брезговал встраивать в свои картины коды и тропы, заимствованные из развлекательного кино. Поскольку выпуск получился большим, мы разделили его на две части. В первой мы затронем темы творца и творчества в “Андрее Рублёве”, агностицизма в “Солярисе” и воплощения постструктуралистской “смерти автора” в экспериментальном “Зеркале”. Вторая часть будет посвящена, соответственно, “Сталкеру”, “Ностальгии” и “Жертвоприношению”. А теперь – поехали! Какие фильмы обсуждаются в выпуске: "Иваново детство" (Андрей Тарковский, 1962)"Андрей Рублёв" (Андрей Тарковский, 1966)"Солярис" (Андрей Тарковский, 1972)"Зеркало" (Андрей Тарковский, 1974) Доп. материалы к выпуску: "Андрей Тарковский: стихии кино" (Роберт Бёрд)"Тарковские. Осколки зеркала" (Марина Тарковская)

Что произойдёт с человеком, если на продолжительное время он окажется один в тесном и замкнутом пространстве? Подобная сюжетная ловушка - известный приём в создании фильмов совершенно различных жанров, от триллеров до комедий. Но чаще всего режиссёры прибегают к таким манипуляциям с целью обнажить человеческую душу, показать, какие скелеты хранятся у бедолаги в шкафу, какие страхи его одолевают. В этом выпуске #спорногомомента Валера и Арина выяснят, какие общие мотивы есть у фильмов о замкнутых пространствах, как проявляется режиссёрское мастерство в реализации историй, где нет выхода за пределы очень маленькой площади, и чем полезны эти фильмы для понимания человеческой психологии. Приятного прослушивания! Какие фильмы обсуждаются в выпуске: "Телефонная будка" (Джоэл Шумахер, 2002)"Погребённый заживо" (Родриго Кортес, 2010)"127 часов" (Дэнни Бойл, 2011) Доп. материалы для выпуска: "Куб" (Винченцо Натали, 1997)"Экзамен" (Стюарт Хейзелдин, 2009)"Банкомат" (Дэвид Брукс, 2011)"Коллектор" (Алексей Красовский, 2016)"Кислород" (Александр Ажа, 2021)"Девять в списке мёртвых" (Крис Шэдли, 2009)"Вышка" (Скотт Манн, 2022)"Отмель" (Жауме Кольет-Серра, 2016)"Закрытые пространства" (Игорь Лебедев, 2008)

Диссоциация между актёром и образами (персонажами), которые он воплощает – тема, актуальная в кинематографе столько, сколько существует последний. Разрыв между личностью и её образом (или множеством образов) относится к более широкой и объёмной теме двойника и двойничества, с которой практически и началось искусство; в актёрском ремесле данная проблема обостряется, приобретает дополнительные смысловые оттенки и грани. Кого зритель видит на месте актёра? Актёр постоянно будто бы не здесь, он словно бы постоянно играет, оставаясь кем-то другим, избегая схождения со своей собственной личиной; актёр не един в себе, расщеплён на те идеальные, умозрительные фигуры, которые он реализует на киноэкране или сцене театра. Можно сказать, что актёр – это носитель Ничто, особый конструкт субъективности, который на самом деле заложен в каждом из индивидов. Проблема актёрской и артистической диссоциации заключается в том, что образы становятся реальнее своего исполнителя. Сцена для актёра – единственное место, где он может почувствовать себя живым, уместным для окружающего мира. Получается, вымысел ценнее действительности? Риторический вопрос. Двойник отбирает у актёра жизнь, разрушает его личность. Кинематограф достигает состояния сверхреальности. «Бёрдмэн» и «Невыносимая тяжесть огромного таланта» поднимают схожие проблемы, но в различных тональностях и аспектах. Майкл Китон в «Бёрдмэне» – вышедший в тираж актёр, пытающийся доказать себе, что у него есть талант, он хочет вырваться за пределы образа Бёрдмэна. В «Невероятной тяжести огромного таланта» Николас Кейдж – просто Кейдж, который в последние годы играет в каком-то ширпотребе, грезит кино и тоже старается создать идеальную картину, где сыграет звёздную и абсолютно гениальную роль. В сущности, обе картины имеют один вывод, но в разных вариациях – как человек преодолевает разрыв с самим собой. Какие фильмы обсуждаются в выпуске: "Бёрдмэн" (Алехандро Гонсалес Инъяритту, 2014)"Невыносимая тяжесть огромного таланта" (Том Гормикэн, 2022) Доп. материалы по теме: Х/ф "Сансет бульвар" (Билли Уайлдер, 1950) Х/ф "Пражский студент" (Стеллан Рюэ, Пауль Вегенер; 1913) Х/ф "Пражский студент" (Хенрик Галеен, 1926)

“ Эд Вуд ” и “ Горе-творец ” - весьма мотивирующие ленты. Прежде всего, они – воплощённая рефлексия на темы творчества, риска и тревоги. Само по себе творчество – занятие довольно опасное, ведь человек ставит на кон всё, он хочет выразить себя, бросить миру вызов. Конечно, обыватель скажет – нужен талант, чтобы стать режиссёром, писателем, художником, поэтом... А кто-то скажет, что талант – издёвка, праздная фантазия, пугало, отвращающее людей от творчества как такового. Конечно, создавая что-то, подспудно мы жаждем славы, признания и почёта. Но каждый режиссёр знает, что творчество – прежде всего сопротивление тому, что это творчество сдерживает, а признание и слава порой сдерживают его не хуже хулы, порицания и критики. “ Эд Вуд ” и “ Горе-творец ” – кино о самом кино, о том, как кинематограф забывает всякий стыд репрезентации, объявляет о своей иллюзорности и условности, устраняет все сдерживающие факторы в лице ремесленных правил, продюсерских запретов или требований, даже требований самого автора (если автор, конечно, не разделяет с фильмом сокровенную свободу иллюзии), короче говоря, в этих картинах кино возвращается в Эдем безвкусицы, аляповатости, стилистической и жанровой анархии, нарративного беспредела и совершенной симуляции; кино освобождается от правдоподобия и даже от самой эстетики. Какие фильмы обсуждаются в выпуске: "Эд Вуд" (Тим Бёртон, 1994)"Горе-творец" (Джеймс Франко, 2017) Доп. материалы по теме: "План 9 из открытого космоса" (Эд Вуд, 1959)"Комната" (Томми Вайсо, 2003)

В этом выпуске #спорногомомента мы поговорим о том, как Гильермо дель Торо создаёт свои мрачные сказки, как ему удаётся переплетать фэнтезийное и реалистическое направления, удерживая хрупкий баланс между вымышленным и настоящим. “ Хребет дьявола ” и “ Лабиринт Фавна ” – картины, составляющие незавершённую трилогию о Гражданской войне в Испании (1936-1939). Дель Торо смешивает исторический контекст с предощущением потустороннего, сочиняя тем самым кинематографический эквивалент “магического реализма” – жанра, известного по произведениями Гарсия Габриэля Маркеса (“Сто лет одиночества”) и Хулио Кортасара (“Игра в классики”). Гильермо дель Торо вырос из кинематографической традиции, что корнями уходит в творчество Жоржа Мельеса: важно не столько воспроизвести нечто действительное или нечто, что когда-то происходило, сколько создать свою реальность, или реальность сказочных, древних архетипов, которые залегают глубоко в коллективном бессознательном и которые продолжают влиять на нашу повседневную жизнь. Ведь сказка порой ближе, чем кажется. Как же дель Торо соединяет архетипическое измерение с реальностью и с помощью каких моделей мексиканский кинематографист возвращает сказке её истинный, мрачный облик, издавна существовавший в мировой культуре – об этом в новом выпуске #спорногомомента! P.S. Да и не является ли наш мир очередным эпизодом в одной большой мрачной сказке? Какие фильмы обсуждаются в выпуске: "Хребет дьявола" (Гильермо дель Торо, 2001)"Лабиринт фавна" (Гильермо дель Торо, 2006) Доп. материалы по теме: "Морфология волшебной сказки" (Владимир Пропп)