FR - Il y a des choses que nous ne voyons qu’avec notre vision périphérique ; l’oreille flottante perçoit des voix que l’oreille attentive fuit. C’est dans ces interstices du silence que s’inscrit la performance théâtrale d’Adeline Rosenstein, Transformations Opéra Radio. Elle nous invite dans un salon acoustique aux multiples assises, une assemblée intime et fictive qui évoque un studio d’enregistrement et les lieux éphémères où un déchirement révolutionnaire peut se partager – la cabane, le lit, le passage. Partition à mi-chemin entre l’opéra et le podcast, cette performance radiodiffusée rapproche des témoignages de femmes ayant participé aux mouvements révolutionnaires qui ont transformé l’histoire de leurs pays, sans que l’histoire ne les retienne (Guinée-Bissau et Cap-Vert 1974-75, Palestine 1987, Mexique 1994, Tunisie 2011). Aux paroles enregistrées ou traduites, s’ajoutent des documents sonores reconstitués, des mots de chercheuses et des fragments musicaux, laissant apparaître les dynamiques patriarcales en marge de la lutte anti-impérialiste. De la solitude à la construction d’une sororité, à l’écart des discours, à la barbe de l’ennemi – celui qui veut que rien ne change – émerge une documentation de nos transformations intimes et politiques. (Ré)écoutez la captation sonore de la performance qui a eu lieu en mai 2025 au Kunstenfestivaldesarts.
NL - Op het kruispunt tussen opera en podcast brengt Adeline Rosenstein getuigenissen samen van de vergeten vrouwen van verschillende revoluties. Beluister hier de opname van Transformations Opéra Radio, die in mei 2025 te zien was op het Kunstenfestivaldesarts.
EN - At the intersection of opera and podcast, Adeline Rosenstein reconstructs the forgotten testimonies of revolutionary women. An acoustic, intimate gathering. Listen back to the sound recording of the performance Transformations Opéra Radio from May 2025 at the Kunstenfestivaldesarts.
Recording and radio broadcasting: Leslie Doumerx, Radio Panik & Radio Campus
Credits performance: Concept, direction, performance: Adeline Rosenstein | Text, research and performance: Marie Devroux | Performance and vocals: Aminata Abdoulaye Hama | Sound and music design, research, performance and harp: Hanna El Fakir | Sound and music composition, research and performance: David Stampfli | Music composition, music research and performance: Iris Therasse | Set design, performance and vocals: Yvonne Harder | Set design: Lük Stucki | Lighting design: Arié van Égmond | Technical direction and stage manager: Charlotte Müller | Production coordination: Maison Ravage - Edgar Martin, assisted by Elisa Guerch | Direction assistant’s intern: Éléonore Barrault | Stage manager’s intern: Myra Eschauzier | Set building: Ateliers de La Comédie de Saint-Etienne | Residency and performance spaces: La Bodega and Habemus Papam | Development and distribution: Habemus Papam | Production: Maison Ravage | Coproduction: Kunstenfestivaldesarts, Les Halles de Schaerbeek, La Comédie de Saint-Etienne – CDN, Maison de la Culture de Seine-Saint-Denis, L’Art Rue – Festival Dream City, Centre Dramatique National Orléans / Centre-Val-de-Loire | With the support of the Fédération Wallonie-Bruxelles, Wallonie-Bruxelles International and Loterie Nationale/Nationale Loterij
Photo: Annah Schaeffer
As part of Kunstenfestivaldesarts 2025
FR - Comment le mouvement et la connaissance s’influencent mutuellement ? Selvagem est une initiative qui lie les cosmologies autochtones aux pratiques artistiques, et qui met l'accent sur l'interconnexion et la vitalité de la nature. Lia Rodrigues est une chorégraphe reconnue pour son travail politique et poétique dans lequel la danse devient l'incarnation de la résistance, souvent en collaboration avec des communautés marginalisées au Brésil. Ensemble, iels discutent de la manière dont le corps et la forêt peuvent conserver la mémoire, l’histoire et le potentiel de transformation. Un échange où l'éducation, l’incarnation et la pratique artistique sont reconsidérées comme des outils de transformation radicale.
NL - Hoe verhouden beweging en kennis zich tot elkaar? Selvagem is een initiatief dat inheemse kosmologieën en artistieke praktijken met elkaar verweeft, en de nadruk legt op onderlinge verbondenheid en de vitaliteit van de natuur. Lia Rodrigues is een choreografe die bekendstaat om haar politieke en poëtische werk waarin dans belichaming wordt van verzet, vaak in samenwerking met gemarginaliseerde gemeenschappen in Brazilië. Ze gaan in gesprek over hoe zowel een lichaam als een bos herinneringen, geschiedenis en het potentieel voor transformatie in zich dragen. Een uitwisseling waarin onderwijs, belichaming en artistieke praktijk worden heroverwogen als instrumenten voor radicale transformatie.
EN - How do movement and knowledge intersect? Selvagem is an initiative that interweaves Indigenous cosmologies and artistic practices, and emphasises interconnectedness and the vitality of nature. Lia Rodrigues is a choreographer known for her political and poetic work in which dance becomes embodiment of resistance, often in collaboration with marginalised communities in Brazil. They engage in a conversation about how both a body and a forest hold memory, history and the potential for transformation. An exchange in which education, embodiment, and artistic practice are reconsidered as tools for radical transformation.
As part of Kunstenfestivaldesarts 2025 and the Free School - The School of Fireflies | In collaboration with AFIELD | With Selvagem, Carlos Papá, Cristine Takuá, Idjahure Terena, Lia Rodrigues, Francy Fontes Baniwa | Moderated by Olivia Ardui
EN - In this lecture performance, conceived for the Free School, Elizabeth Povinelli focuses on the progressive disappearance of stars due to light pollution, and the loss of a magical relationship with the celestial vault. She engages in conversation with Federico Campagna, whose books Prophetic Culture and Technic and Magic offer a radical rethinking of reality in the face of modern decline. Together, they shed new light on how we perceive and experience the cosmos in an era of disappearance.
FR - Dans cette conférence-performance créée pour la Free School, Elizabeth Povinelli se concentre sur la disparition progressive des étoiles due à la pollution lumineuse et sur la perte d'une relation magique avec la voûte céleste. Elle aborde avec Federico Campagna, auteur entre autres de Prophetic Culture et Technic and Magic, la réévaluation radicale de la réalité en réponse au déclin moderne. Ensemble, iels jettent une nouvelle lumière sur les façons dont nous percevons et expérimentons le cosmos à une époque de disparition.
NL - In deze lecture-performance, gecreëerd voor de Free School, focust Elizabeth Povinelli op de geleidelijke verdwijning van sterren door lichtvervuiling en het verlies van een magische relatie met het hemelgewelf. Ze gaat in gesprek met Federico Campagna, auteur van o.a. Prophetic Culture en Technic and Magic waarin hij een radicale heroverweging van de werkelijkheid voorstelt als antwoord op de moderne ondergang. Samen werpen ze een nieuw licht op de manieren waarop we de kosmos waarnemen en ervaren in een tijdperk van verdwijning.
As part of Kunstenfestivaldesarts 2025 and the Free School - The School of Fireflies
In collaboration with WIELS
EN - One of the outstanding figures in gender and queer theory studies, Jack Halberstam, published several books among which Trans* A Quick and Quirky Account of Gender Variability, and The Queer Art of Failure. He will be in dialogue with Archivo de la Memoria Trans, a collective dedicated to preserving and honouring the stories of trans communities by creating an alternative archive, a powerful counter-narrative against invisibility and stigmatisation. Together, they will question the assumed authority of traditional archives and reflect on how archives also function as mechanisms of power, and the ways in which they can be reclaimed for radical reimagination and resistance to disappearance.
FR - Jack Halberstam est l'une des figures académiques les plus marquantes des études de genre et queer. Il est l'auteur de plusieurs ouvrages, dont Trans*, A Quick and Quirky Account of Gender Variability, et The Queer Art of Failure. Il s'entretiendra avec Archivo de la Memoria Trans, un collectif qui se consacre à la préservation et à la mise en valeur des histoires des communautés trans par la création d'archives alternatives, un puissant contre-récit qui fait face à l'invisibilité et à la stigmatisation. Iels remettront en question l'autorité des archives traditionnelles et s’engageront dans une réflexion sur la façon dont les archives peuvent fonctionner comme des mécanismes de pouvoir, et comment on peut les revendiquer pour une réinvention radicale et une lutte contre la disparition.
NL - Jack Halberstam, een van de belangrijkste figuren in gender en queer theory studies, publiceerde verschillende boeken waaronder Trans* A Quick and Quirky Account of Gender Variability en The Queer Art of Failure. Hij zal in gesprek gaan met Archivo de la Memoria Trans, een collectief dat zich toelegt op het bewaren en in ere houden van de verhalen van transgemeenschappen via het aanleggen van een alternatief archief, een krachtig signaal tegen onzichtbaarheid en stigmatisering. Ze zullen de veronderstelde autoriteit van traditionele archieven in vraag stellen en reflecteren over hoe archieven ook functioneren als machtsmechanismen, en de manieren waarop ze gereclaimd kunnen worden voor radicale herbestemming en verzet tegen verdwijning.
As part of Kunstenfestivaldesarts 2025 and the Free School - The School of Fireflies
In collaboration with AFIELD
EN - Musicians Enrico Malatesta and Attila Faravelli, together with researcher Juan José López Díez, delve into the way insects communicate with each other by making leaves vibrate. They accompany groups on walks through green spaces in the city and use laser vibrometers to record these barely perceptible sounds. Halfway between a conference and a concert, they present a montage of sound recordings and scientific insights, a surprising form inviting the audience to enter the invisible life surrounding us.
FR - Les musiciens Enrico Malatesta et Attila Faravelli, et le chercheur Juan José López Díez, étudient la manière dont les insectes communiquent entre eux en faisant vibrer les feuilles. Ils accompagnent des groupes lors de promenades dans des espaces verts de la ville et utilisent des vibromètres laser pour enregistrer ces sons à peine perceptibles. À mi-chemin entre une conférence et un concert, cette Fireflies Conversation combine des enregistrements sonores et le partage de connaissances scientifiques, une forme surprenante qui invite le public à découvrir la vie invisible qui nous entoure.
NL - Muzikanten Enrico Malatesta en Attila Faravelli verdiepen zich samen met onderzoeker Juan José López Díez in de manier waarop insecten met elkaar communiceren door bladeren te laten trillen. Ze begeleiden groepen op wandelingen door groene ruimtes in de stad en registreren met laservibrometers deze nauwelijks waarneembare geluiden. Halfweg tussen lezing en concert presenteren ze een montage van geluidsopnames en wetenschappelijke inzichten, een verrassende vorm die het publiek uitnodigt om kennis te maken met het onzichtbare leven om ons heen.
As part of Kunstenfestivaldesarts 2025 and the Free School - The School of Fireflies
Concert-conference by Enrico Malatesta | Ònfalo is a project by Enrico Malatesta, Attila Faravelli & Juan José López Díez | With the support of the Instituto Italiano di Cultura in Brussels, the Department of Organisms and Ecosystems Research, National Institute of Biology Ljubljana and Danae Festival
FR - Elias Sanbar (°1947, Haïfa) est l’un des écrivains et historiens arabes contemporains les plus éminents, traducteur de l'œuvre de Mahmoud Darwich et ambassadeur de la Palestine auprès de l'UNESCO. Il a fondé la Revue d'études palestiniennes, l'une des publications les plus respectées sur la Palestine. Avec sa fille et l'actrice Mayya Sanbar, il propose une lecture de poèmes et une discussion sur la poésie et la situation en Palestine.
NL - Elias Sanbar (°1947, Haifa) is één van de belangrijkste hedendaagse Arabische schrijvers en historici, vertaler van het werk van Mahmoud Darwish en ook ambassadeur van Palestina bij UNESCO. Hij was medeoprichter en hoofdredacteur van de Revue d'études palestiniennes, één van de meest gerespecteerde publicaties over Palestina. Samen met actrice Mayya Sanbar, zijn dochter, zal hij een reeks gedichten voordragen en in gesprek gaan over poëzie en de situatie in Palestina.
EN - Elias Sanbar (°1947, Haifa) is one of the most distinguished contemporary Arab writers and historians, translator of the work of Mahmoud Darwish and also the Palestinian ambassador to UNESCO. He was co-founder and editor-in-chief of the Revue d'études palestiniennes, one of the most respected publications about Palestine. Together with actress Mayya Sanbar, who is also his daughter, he will recite a series of poems and discuss poetry and the situation in Palestine.
As part of Kunstenfestivaldesarts 2025 and the Free School – The School of Fireflies
A conversation with Elias Sanbar & Mayya Sanbar, introduced by Daniel Blanga Gubbay
EN – For the 2024 edition of the Free School programme, Kunstenfestivaldesarts invited artists, thinkers and activists to question the space of the kitchen table as a place for sharing food, a place where stories converge, but also a culmination of a history of domestic labour that is often invisible. This podcast, recorded during these talks and workshops, looks at the struggles of migrant domestic workers, the tools and strategies of resistance and joy as a political weapon. In this first episode, Silvia Federici and Territorio Doméstico tell us about the struggle of migrant domestic workers as part of "A life worth living: a workshop on struggle, care and joy", a four-day workshop organised by artist Anna Rispoli.
NL – Voor de 2024 editie van de Free School nodigde Kunstenfestivaldesarts kunstenaars, denkers en activisten uit om de ruimte van de keukentafel te bevragen. Als een plek waar we samen eten, de plek waar verhalen samenkomen, maar ook een culminatiepunt van onzichtbare huishoudelijke arbeid. Deze podcast, opgenomen tijdens de talks en workshops, kijkt naar de strijd van huishoudelijk personeel met migratie-achtergrond. Met een focus op strategieën van verzet en vreugde als politiek wapen. In deze eerste episode (in het Engels) vertellen Silvia Federici en Territorio Doméstico over de strijd van huishoudelijk personeel met migratie-achtergrond als onderdeel van "A life worth living: a workshop on struggle, care and joy", een vierdaagse school geleid door kunstenaar Anna Rispoli.
FR – Lors de l’édition 2024 de son programme Free School, Kunstenfestivaldesarts a invité des artistes, penseur·ses et activistes à questionner l’espace de la table de la cuisine en tant que lieu de partage de la nourriture, un lieu où convergent les récits, mais aussi un point culminant de l’activité domestique, souvent invisible. Un micro posé au cœur de ces rencontres et ateliers relate de la lutte de travailleuses domestiques issues de la migration, des outils et stratégies de résistance ou encore de la joie comme arme politique. Dans ce premier épisode (en anglais), Silvia Federici et Territorio Doméstico nous parlent de la lutte de travailleuses domestiques issues de la migration dans le cadre de “A life worth living: a workshop on struggle, care and joy”, une école de quatre jours menée par l’artiste Anna Rispoli.
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Editing and direction: Leslie Doumerx | Mixing: Arthur Lacomme | Jingle: Madame Patate | Additional sound recording: Hélène Baquet and Cécile Michel (Colettes!)
With the participation of Territorio Doméstico, La Ligue des travailleuses domestiques sans papiers (CSC Bruxelles), Silvia Federici and Anna Rispoli
Thank you to: Anna Rispoli, Teresa Gentile, Nina Ferrante, Lisa Coppi, Magali Verdier, Anna Brotman-Krass, Anna Poels
In the framework of Kunstenfestivaldesarts 2024 - Free School: Around the kitchen table
FR – Lors de l’édition 2024 de son programme Free School, Kunstenfestivaldesarts a invité des artistes, penseur·ses et activistes à questionner l’espace de la table de la cuisine en tant que lieu de partage de la nourriture, un lieu où convergent les récits, mais aussi un point culminant de l’activité domestique, souvent invisible. Un micro posé au cœur de ces rencontres relate de la lutte de travailleuses domestiques issues de la migration, des outils et stratégies de résistance ou encore de la joie comme arme politique. Ce deuxième épisode est extrait de “A life worth living: a workshop on struggle, care and joy”, une école de quatre jours organisée par l’artiste Anna Rispoli avec la Ligue des travailleuses domestiques sans papiers (CSC Bruxelles), Territorio Doméstico et d'autres participantes. Le care, le rôle des artistes dans la lutte, la visibilisation ou encore la manière de se représenter sont mis sur la table.
NL – Voor de 2024 editie van de Free School nodigde Kunstenfestivaldesarts kunstenaars, denkers en activisten uit om de ruimte van de keukentafel te bevragen. Als een plek waar we samen eten, de plek waar verhalen samenkomen, maar ook een culminatiepunt van onzichtbare huishoudelijke arbeid. Deze podcast, opgenomen tijdens de talks en workshops, kijkt naar de strijd van huishoudelijk personeel met migratie-achtergrond. Met een focus op strategieën van verzet en vreugde als politiek wapen. Deze tweede episode is opgenomen tijdens "A life worth living: a workshop on struggle, care and joy", een vierdaagse school georganiseerd door kunstenaar Anna Rispoli met de Ligue des travailleuses domestiques sans papiers (CSC Brussel), Territorio Doméstico en leden van het publiek. ´Care’ en zorgpraktijken, de rol van kunstenaars in strijd, en hoe jezelf zichtbaar te maken en te vertegenwoordigen worden bediscussieerd.
EN – For the 2024 edition of the Free School programme, Kunstenfestivaldesarts invited artists, thinkers and activists to question the space of the kitchen table as a place for sharing food, a place where stories converge, but also a culmination of a history of domestic labour that is often invisible. This podcast, recorded during these talks and workshops, looks at the struggles of migrant domestic workers, the tools and strategies of resistance and joy as a political weapon. This second episode is based on "A life worth living: a workshop on struggle, care and joy", a four-day school organised by artist Anna Rispoli with the Ligue des travailleuses domestiques sans papiers (CSC Bruxelles), Territorio Doméstico and selected participants. The care, the role of artists in the struggle and the self-representation were all brought to the table.
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Editing and direction: Leslie Doumerx | Mixing: Arthur Lacomme | Jingle: Madame Patate | Additional sound recording: Colettes!
With the participation of Territorio Doméstico, La Ligue des travailleuses domestiques sans papiers (CSC Bruxelles) and Anna Rispoli
Thank you to: Anna Rispoli, Teresa Gentile, Nina Ferrante, Lisa Coppi, Magali Verdier, Anna Brotman-Krass, Anna Poels
In the framework of Kunstenfestivaldesarts 2024 - Free School: Around the kitchen table
EN – For the 2024 edition of the Free School programme, Kunstenfestivaldesarts invited artists, thinkers and activists to question the space of the kitchen table as a place for sharing food, a place where stories converge, but also a culmination of a history of domestic labour that is often invisible. This lecture by Sara Ahmed, author of Queer Phenomenology, explores how tables matter – from writing tables to kitchen tables to conference tables. By using the table as a starting point for reflection, she questions the way in which power is experienced and questioned in everyday life and in institutional cultures.
NL – Voor de 2024 editie van de Free School nodigde Kunstenfestivaldesarts kunstenaars, denkers en activisten uit om de ruimte van de keukentafel te bevragen. Als een plek waar we samen eten, de plek waar verhalen samenkomen, maar ook een culminatiepunt van onzichtbare huishoudelijke arbeid. In deze lezing staat Sara Ahmed, auteur van Queer Phenomenology, stil bij het belang van tafels – van schrijftafels over keukentafels tot vergadertafels. Met de tafel als uitgangspunt bevraagt ze hoe macht wordt ervaren en uitgedaagd in het dagelijks leven en binnen een institutionele context.
FR – Lors de l’édition 2024 de son programme Free School, Kunstenfestivaldesarts a invité des artistes, penseur·ses et activistes à questionner l’espace de la table de la cuisine en tant que lieu de partage de la nourriture, un lieu où convergent les récits, mais aussi un point culminant de l’activité domestique, souvent invisible. Cette conférence de Sara Ahmed, autrice de Phénoménologie Queer, explore l'importance des tables, qu'il s'agisse de tables d'écriture, de cuisine ou de réunion. Au départ de la table, elle questionne la manière dont le pouvoir est vécu et remis en question dans la vie quotidienne et dans les cultures institutionnelles.
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Editing: Leslie Doumerx | Mixing and jingle: Madame Patate
With the participation of Sara Ahmed and Luanda Casella
In the framework of Kunstenfestivaldesarts 2024 - Free School: Around the kitchen table
EN – For the 2024 edition of the Free School programme, Kunstenfestivaldesarts invited artists, thinkers and activists to question the space of the kitchen table as a place for sharing food, a place where stories converge, but also a culmination of a history of domestic labour that is often invisible. This lecture by Sara Ahmed, author of Queer Phenomenology, explores how tables matter – from writing tables to kitchen tables to conference tables. By using the table as a starting point for reflection, she questions the way in which power is experienced and questioned in everyday life and in institutional cultures.
NL – Voor de 2024 editie van de Free School nodigde Kunstenfestivaldesarts kunstenaars, denkers en activisten uit om de ruimte van de keukentafel te bevragen. Als een plek waar we samen eten, de plek waar verhalen samenkomen, maar ook een culminatiepunt van onzichtbare huishoudelijke arbeid. In deze lezing staat Sara Ahmed, auteur van Queer Phenomenology, stil bij het belang van tafels – van schrijftafels over keukentafels tot vergadertafels. Met de tafel als uitgangspunt bevraagt ze hoe macht wordt ervaren en uitgedaagd in het dagelijks leven en binnen een institutionele context.
FR – Lors de l’édition 2024 de son programme Free School, Kunstenfestivaldesarts a invité des artistes, penseur·ses et activistes à questionner l’espace de la table de la cuisine en tant que lieu de partage de la nourriture, un lieu où convergent les récits, mais aussi un point culminant de l’activité domestique, souvent invisible. Cette conférence de Sara Ahmed, autrice de Phénoménologie Queer, explore l'importance des tables, qu'il s'agisse de tables d'écriture, de cuisine ou de réunion. Au départ de la table, elle questionne la manière dont le pouvoir est vécu et remis en question dans la vie quotidienne et dans les cultures institutionnelles.
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Editing and direction: Leslie Doumerx | Mixing and jingle: Madame Patate
With the participation of Sara Ahmed and Luanda Casella
In the framework of Kunstenfestivaldesarts 2024 - Free School: Around the kitchen table
A series of sound clips that take you closer to the creations of Kunstenfestivaldesarts 2022. Listen to Lia Rodrigues talk about her creation, 'Encantado'.
EN - A carpet of variegated fabrics is slowly unrolled on stage, opening up a kaleidoscope of colours. Thus begins 'Encantado', the new and highly anticipated creation by Lia Rodrigues. With Covid-19 impacting particularly heavily on Brazil, the choreographer asked herself how we could “enchant our fears” in order to recreate a collective dynamic and bring individuals closer together. 'Encantado' is a mesmerising choreography for 11 dancers and countless fabrics, in which these forces – similar to the encantados – journey from one body to the other.
FR - Un tapis de tissus bigarrés est lentement déroulé sur scène, ouvrant un kaléidoscope de couleurs. C’est ainsi que commence Encantado, la nouvelle création très attendue de Lia Rodrigues. La production porte les marques du contexte dans lequel elle a été créée : tandis que la Covid-19 touchait violemment le Brésil, la chorégraphe s’est demandée comment « enchanter nos peurs » afin de recréer une dynamique collective et rapprocher les individus. Encantado est une chorégraphie envoûtante pour onze danseur·ses et d’innombrables tissus, dans laquelle ces forces – comme les encantados – voyagent d’un corps à l’autre.
Een tapijt, geweven uit verschillende stoffen, wordt langzaam uitgerold op het podium. Er komt een kaleidoscoop aan kleuren tevoorschijn. Zo begint Encantado, de nieuwe en langverwachte creatie van Lia Rodrigues. In Brazilië heeft het woord “encantado” verscheidene betekenissen. Het kan een synoniem zijn voor verwondering, of verwijzen naar de effecten van een betovering. Terwijl COVID-19 Brazilië bijzonder hard trof vroeg de choreografe zich af hoe we “onze angsten kunnen betoveren” om zo opnieuw een collectieve dynamiek te creëren en mensen dichter bij elkaar te brengen. Encantado is een fascinerende choreografie voor elf dansers en talloze stukken textiel, waarin krachten vergelijkbaar met de encantados reizen van het ene lichaam naar het andere.
'Encantado' was presented at Kunstenfestivaldesarts 2022. / Interview: Jose Huedo.
More info and video interview: https://kfda.be/en/festivals/2022-edition/programme/encantado/
A series of sound clips that take you closer to the creations of Kunstenfestivaldesarts 2022. Listen to Wanjiru Kamuyu and Peter Born talk about the recreation of Okwui Okpokwasili's Bronx Gothic performance.
EN - Okwui Okpokwasili debuted Bronx Gothic in 2014. In it, and alone on stage, she unveiled the hidden narrative of two black girls growing up in the Bronx in the 80s: in the space of a curtained room, the audience is drawn into their shared secrets. Built upon an exchange of notes between the two girls in the midst of a sexual awakening, Bronx Gothic looks to communicate what is essential about a body in transformation and the love, strangeness and terror that accompany it.
FR - Okwui Okpokwasili a créé Bronx Gothic en 2014. Elle y dévoile le récit qui se cache derrière deux amies, deux jeunes filles noires, grandissant dans le Bronx des années 1980. Dans une pièce aux rideaux tirés, le public est témoin de leur intimité. Constitué de notes échangées entre les deux adolescentes au moment de leur éveil sexuel, Bronx Gothic cherche à transmettre ce qui est essentiel dans un corps en mutation et les énergies qui le traversent : l’amour, l’étrangeté et la terreur qui l’accompagnent.
NL - Okwui Okpokwasili creëerde Bronx Gothic oorspronkelijk in 2014. Geïnspireerd op een briefwisseling tussen twee zwarte meisjes in vol seksueel ontwaken, communiceert de voorstelling het essentiële van een lichaam in transformatie en de energieën die daarmee gepaard gaan: liefde, vervreemding en angst. In een met gordijnen omwikkelde ruimte is het publiek getuige van een bijzondere intimiteit uit de Bronx van de jaren ’80.
'Bronx Gothic' was presented at Kunstenfestivaldesarts 2022. / Interview: Jose Huedo.
More info & video interview: https://kfda.be/en/festivals/2022-edition/programme/bronx-gothic/
A series of sound clips that take you closer to the creations of Kunstenfestivaldesarts 2022. Listen to Castélie Yalombo talk about her new creation 'Water, l'atterrée des eaux vives'.
EN - Everything in Castélie Yalombo’s choreography is unstable. She is alone on stage, but her body seems to be manipulated from the outside. Her movements are disjointed: suddenly, with her eyes closed in front of a basin of water, she shapes her limbs and movements as if her body is guided by conflicting forces. After graduating from ISAC and working as an interpreter for Louise Vanneste, Water, l’atterrée des eaux vives marks Yalombo’s first appearance at the festival. It is an ode to ambiguity from a rising voice in Belgian choreography.
FR - Tout dans la chorégraphie de Castélie Yalombo est instable. Elle se tient seule sur scène mais son corps semble être transporté depuis l’extérieur. Ses mouvements sont décousus : soudain, les yeux fermés devant une bassine d’eau, elle façonne ses membres et ses mouvements de l’extérieur, comme si elle était guidée par des forces en conflit. Après avoir étudié à l’ISAC et travaillé avec Louise Vanneste, Castélie Yalombo marque avec "Water, l’atterrée des eaux vives" sa première présence au festival. Une voix montante de la chorégraphie belge et une ode à l’ambiguïté, à ne pas manquer.
NL - In deze choreografie van Castélie Yalombo lijkt alles op losse schroeven te staan. Yalombo staat alleen op de bühne, maar haar lichaam wordt schijnbaar van buitenaf gedirigeerd. Haar bewegingen zijn ontwricht: met gesloten ogen laat ze haar ledematen bewegen alsof ze haar eigen poppenspeler is. Na haar studies aan het ISAC en haar werk als performer voor Louise Vanneste, is Castélie Yalombo met Water, l’atterrée des eaux vives voor het eerst te gast op Kunstenfestivaldesarts. Als rijzende ster en stem binnen de Belgische choreografie, brengt ze een pakkende ode aan de dubbelzinnigheid.
'Water, l'atterrée des eaux vives' was presented at Kunstenfestivaldesarts 2022. / Interview: Jose Huedo.
More info and video interview: https://kfda.be/en/festivals/2022-edition/programme/water-latteree-des-eaux-vives/
Samah Hijawi and Reem Shilleh took the Ramallah Clubs Network (of the Palestinian diaspora in the USA) as a starting point to reflect on the intricacies and complexities of the Palestinian diaspora and their manifestations. They will explore the experience of being in diaspora and exile and how this formulates one’s relationship to home and homeland. Often, members of the diaspora reconnect through community centres, festivals and events in order to continue their cultural practices, and keep the community connected. But beyond sharing food, dance and conversation, what intangible elements do these gatherings transmit? What are the other forms and tools that are used to understand this convoluted relationship between here and there? In the face of Palestine’s settler colonial reality how have they contributed to direct and indirect forms of resistance, narrative formations and acts of remembering?
In a series of conversations broadcast online on Radio Al Hara every Thursday of the month of October, Hijawi and Shilleh will be speaking with colleagues, artists, filmmakers, social activists, and friends from different geographies, whose work is connected to or influenced by their diasporic/exilic experience and desire to reconnect.
EN - In the final conversation of The Ramallah Club Network, Reem Shilleh and Samah Hijawi speak to Dr. Kathy Zarur, a curator and educator based in San Francisco, who explores concepts around place and landscape both as artistic genre and as lived experience of diasporic communities. By focusing on two exhibitions that Zarur has co-curated, Where is Here and Betweenscapes, they reflect on the nuances between the conditions of being in diaspora and exile, and how these frame the experiences of being away from the homeland. They also talk about what the social fabric of the United States offers in parallel experiences between the indigenous and diasporic communities, whose kaleidoscope identities complexifies their relation to place.
FR - Pour ce dernier épisode de The Ramallah Club Network Reem Shilleh et Samah Hijawi s’entretiennent avec la Doctoresse Kathy Zarur, curatrice et enseignante à San Francisco. Elle travaille à partir de concepts abordant l’espace et le paysage, autant comme pratique artistique que comme expérience vécue des communautés diasporiques. En se concentrant sur deux expositions montées par Kathy Zarur, Where is Here et Betweenscapes, elles explorent ensemble les différences entre l’exil et la diaspora et témoignent en quoi ces expériences déterminent le ressenti des personnes vivant loin de chez elles. Elles évoquent également le contexte social aux États-Unis qui génère des conditions de vie similaires au sein des communautés indigènes et diasporiques, leurs identités kaléidoscopiques complexifiant leur relation à leur lieu de vie.
NL - In de laatste conversatie van The Ramallah Club Network, gaan Reem Shilleh en Samah Hijawi in gesprek met Dr. Kathy Zarur, curatrice en pedagoge, gevestigd in San Francisco. Zij onderzoekt concepten die verbonden zijn met plaats en landschap, beide als artistiek genre en als levenservaring van gemeenschappen in diaspora. De tentoonstellingen Where is Here en Betweenscapes die Zarur co-cureerde dienen als uitgangspunt voor het gesprek dat reflecteert op nuances tussen de omstandigheden van het leven in diaspora en ballingschap en hoe deze de ervaringen het weg zijn van het thuisland bepalen. Ze hebben het daarnaast over het sociale weefsel van de Verenigde Staten en de parallelle ervaringen tussen die van de autochtone bevolking en die van diaspora gemeenschappen. De caleidoscopische identiteiten van deze gemeenschappen maken hun relatie tot plaatsgebondenheid complexer.
A project by Samah Hijawi and Reem Shilleh, initiated and coproduced by Kunstenfestivaldesarts 2020 in the context of The Diasporic Schools / Production: Kunstenwerkplaats
More info: https://kfda.be/en/festivals/2020-edition/programme/the-ramallah-club-network/
Samah Hijawi and Reem Shilleh took the Ramallah Clubs Network (of the Palestinian diaspora in the USA) as a starting point to reflect on the intricacies and complexities of the Palestinian diaspora and their manifestations. They will explore the experience of being in diaspora and exile and how this formulates one’s relationship to home and homeland. Often, members of the diaspora reconnect through community centres, festivals and events in order to continue their cultural practices, and keep the community connected. But beyond sharing food, dance and conversation, what intangible elements do these gatherings transmit? What are the other forms and tools that are used to understand this convoluted relationship between here and there? In the face of Palestine’s settler colonial reality how have they contributed to direct and indirect forms of resistance, narrative formations and acts of remembering?
In a series of conversations broadcast online on Radio Al Hara every Thursday of the month of October, Hijawi and Shilleh will be speaking with colleagues, artists, filmmakers, social activists, and friends from different geographies, whose work is connected to or influenced by their diasporic/exilic experience and desire to reconnect.
EN - In the fourth conversation of the The Ramallah Club Network Reem Shilleh and Samah Hijawi are speaking with Rasha Salti and Kristine Khouri about the complex relationship between the diaspora and solidarity networks in the 1970’s that were built around, through and beyond the Palestinian struggle for liberation. Rasha and Kristine are curators of the documentary and archival exhibition Past Disquiet in its multiple iterations, which is based on their extensive research of the art and exhibition making in the 1960's and 1970's that exist well outside the canon, and namely the 1978 International Art Exhibition for Palestine, a number of museums in exile, Chilean and South African amongst others.
FR - Dans cette quatrième conversation de The Ramallah Club Network Reem Shilleh and Samah Hijawi s’entretiennent avec Rasha Salti et Kristine Khouri à propos des relations complexes entre la diaspora et les réseaux de solidarité des années 1970 qui se sont construits autour, à travers et au-delà de la lutte pour la libération de la Palestine. Rasha Salti et Kristine Khouri sont les commissaires du documentaire et de l’exposition archivistique Past Disquiet, qui a connu différentes occurrences. Ce projet est basé sur leurs recherches à propos de l’art et des expositions produites en dehors des canons esthétiques en vigueur dans les années 1960 et 1970, et plus particulièrement sur l’International Art Exhibition for Palestine de 1978, ainsi que sur un certain nombre de musées en exil, chiliens et Sud-Africains notamment.
NL - In het vierde gesprek van de The Ramallah Club Network onderhouden Reem Shilleh en Samah Hijawi zich met Rasha Salti en Kristine Khouri over de complexe relatie tussen de diaspora en solidaire netwerken die zich in de jaren ’70 rond, door en buiten de Palestijnse vrijheidsstrijd ontwikkelden. Rasha en Kristine zijn curatoren van de documentaire en archieftentoonstelling Past Disquiet die herhaaldelijk te zien was en die gebaseerd is op hun diepgaand onderzoek van de kunsten en de tentoonstellingsopbouw die zich ook buiten de canon ontwikkelden in de jaren ’60 en ’70. Voorbeelden hiervan zijn de International Art Exhibition for Palestine uit 1978, een aantal museums in ballingschap, waaronder de Chileense en de Zuid-Afrikaanse.
A project by Samah Hijawi and Reem Shilleh, initiated and coproduced by Kunstenfestivaldesarts 2020 in the context of The Diasporic Schools / Production: Kunstenwerkplaats
More info: https://kfda.be/en/festivals/2020-edition/programme/the-ramallah-club-network/
Samah Hijawi and Reem Shilleh took the Ramallah Clubs Network (of the Palestinian diaspora in the USA) as a starting point to reflect on the intricacies and complexities of the Palestinian diaspora and their manifestations. They will explore the experience of being in diaspora and exile and how this formulates one’s relationship to home and homeland. Often, members of the diaspora reconnect through community centres, festivals and events in order to continue their cultural practices, and keep the community connected. But beyond sharing food, dance and conversation, what intangible elements do these gatherings transmit? What are the other forms and tools that are used to understand this convoluted relationship between here and there? In the face of Palestine’s settler colonial reality how have they contributed to direct and indirect forms of resistance, narrative formations and acts of remembering?
In a series of conversations broadcast online on Radio Al Hara every Thursday of the month of October, Hijawi and Shilleh will be speaking with colleagues, artists, filmmakers, social activists, and friends from different geographies, whose work is connected to or influenced by their diasporic/exilic experience and desire to reconnect.
EN - In the third episode of The Ramallah Club Network, Samah Hijawi and Reem Shilleh are in conversation with the artist Basma Alsharif about their earliest memories and how shifting locations influences their invocation; about distance and image, and about Basma Alsharif's video and writing works, Gaza, metaphors and much more.
FR - Pour le troisième épisode de The Ramallah Club Network, Samah Hijawi et Reem Shilleh rencontrent l’artiste Basma Alsharif. Ensemble, elles évoquent leurs tous premiers souvenirs et s’interrogent sur l'influence que peut avoir la déterritorialisation sur leur évocation. Il est question d’image et de distance, du travail vidéographique et d’écriture de Basma Alsharif, de Gaza, de métaphores et de bien d’autres choses.
NL - In de derde aflevering van The Ramallah Club Network gaan Samah Hijawi en Reem Shilleh in gesprek met de kunstenares Basma Alsharif en samen hebben ze het over hun vroegste herinneringen en hoe verschuivende locaties hun aanroeping beïnvloeden; over afstand en beeld, en over Basma Alsharif's video- en schrijfwerk, Gaza, metaforen en nog veel meer.
A project by Samah Hijawi and Reem Shilleh, initiated and coproduced by Kunstenfestivaldesarts 2020 in the context of The Diasporic Schools / Production: Kunstenwerkplaats
More info: https://kfda.be/en/festivals/2020-edition/programme/the-ramallah-club-network/
Samah Hijawi and Reem Shilleh took the Ramallah Clubs Network (of the Palestinian diaspora in the USA) as a starting point to reflect on the intricacies and complexities of the Palestinian diaspora and their manifestations. They will explore the experience of being in diaspora and exile and how this formulates one’s relationship to home and homeland. Often, members of the diaspora reconnect through community centres, festivals and events in order to continue their cultural practices, and keep the community connected. But beyond sharing food, dance and conversation, what intangible elements do these gatherings transmit? What are the other forms and tools that are used to understand this convoluted relationship between here and there? In the face of Palestine’s settler colonial reality how have they contributed to direct and indirect forms of resistance, narrative formations and acts of remembering?
In a series of conversations broadcast online on Radio Al Hara every Thursday of the month of October, Hijawi and Shilleh will be speaking with colleagues, artists, filmmakers, social activists, and friends from different geographies, whose work is connected to or influenced by their diasporic/exilic experience and desire to reconnect.
EN - In the second episode of The Ramallah Club Network, Samah Hijawi and Reem Shilleh are in conversation with the filmmaker Michel Khleifi about memory, collective and personal, its relationship to where we are geographically and his work, particularly his 1985 film Maaloul Celebrates Its Destruction.
FR - Dans le second épisode de The Ramallah Club Network, Samah Hijawi et Reem Shilleh abordent avec le réalisateur Michel Khleifi la notion de mémoire, aussi bien personnelle que collective, et sa relation avec notre le lieu où nous nous trouvons. La conversation aborde aussi son travail cinématographique, et plus spécifiquement son film de 1985 Maaloul Celebrates Its Destruction.
NL - In de tweede aflevering van The Ramallah Club Network gaan Samah Hijawi en Reem Shilleh in gesprek met de filmmaker Michel Khleifi over het geheugen, collectief en persoonlijk, en zijn relatie tot waar we ons geografisch bevinden. Dit gesprek zoomt eveneens in op zijn cinematografisch werk, meer specifiek op zijn film Maaloul Celebrates Its Destruction uit 1985.
A project by Samah Hijawi and Reem Shilleh, initiated and coproduced by Kunstenfestivaldesarts 2020 in the context of The Diasporic Schools / Production: Kunstenwerkplaats
More info: https://kfda.be/en/festivals/2020-edition/programme/the-ramallah-club-network/
Samah Hijawi and Reem Shilleh took the Ramallah Clubs Network (of the Palestinian diaspora in the USA) as a starting point to reflect on the intricacies and complexities of the Palestinian diaspora and their manifestations. They will explore the experience of being in diaspora and exile and how this formulates one’s relationship to home and homeland. Often, members of the diaspora reconnect through community centres, festivals and events in order to continue their cultural practices, and keep the community connected. But beyond sharing food, dance and conversation, what intangible elements do these gatherings transmit? What are the other forms and tools that are used to understand this convoluted relationship between here and there? In the face of Palestine’s settler colonial reality how have they contributed to direct and indirect forms of resistance, narrative formations and acts of remembering?
In a series of conversations broadcast online on Radio Al Hara every Thursday of the month of October, Hijawi and Shilleh will be speaking with colleagues, artists, filmmakers, social activists, and friends from different geographies, whose work is connected to or influenced by their diasporic/exilic experience and desire to reconnect.
EN - In the first episode of The Ramallah Club Network, Samah Hijawi and Reem Shilleh are speaking with the artistic directors of the Kunstenfestivaldesarts - Dries Douibi and Daniel Blanga Gubbay - about the concept of The Diasporic Schools and their own origins.
FR - Pour commencer la série de podcast de The Ramallah Club Network, Samah Hijawi et Reem Shilleh s'entretiennent avec les directeurs artistiques du Kunstenfestivaldesarts, Dries Douibi et Daniel Blanga Gubbay, à propos du concept de The Diasporic Schools et de leurs propres origines.
NL - Om de reeks podcasts van The Ramallah Club Network te starten, praten Samah Hijawi en Reem Shilleh met de artistiek leiders van het Kunstenfestivaldesarts, Dries Douibi en Daniel Blanga Gubbay, over het concept van The Diasporic Schools en hun eigen afkomst.
A project by Samah Hijawi and Reem Shilleh, initiated and coproduced by Kunstenfestivaldesarts 2020 in the context of The Diasporic Schools / Production: Kunstenwerkplaats
More info: https://kfda.be/en/festivals/2020-edition/programme/the-ramallah-club-network/
For two decades, Bouchra Khalili’s work has articulated contemporary migratory trajectories, colonial continuum, and the politics of memory of internationalist struggles and collective emancipation. In An Audio Family Album, Bouchra Khalili continues her investigation of Al Assifa’s methodology based on the dying tradition of Al-halqa, the oldest performing art in North Africa. Collaborating with a younger generation of members of the same communities living nowadays in Europe, she proposes an online archive of voices, bringing together stories of emancipation that have helped shape the memories and contemporary strategies of diaspora struggles and that, through this process, are passed on from one generation to the next.
Episode #7: Allo, mon père avec Fatima-Zohra Ait El Maâti
EN - First-generation immigration was often undertaken by men on their own, leaving their wives and children behind in their home countries. It could take years before these families reunited. Fatima-Zohra is a filmmaker born and raised in Brussels in a Moroccan family. She recalls a story often told by her own mother: Fatima-Zohra’s mother not recognising her own father when he returned from Belgium for the first time. Taking that family story as her departure point, Fatima-Zohra meditates on migration, separation and loneliness.
FR - Les premières générations d’immigrés sont souvent constituées d’hommes seuls. Les femmes et les enfants étant resté·e·s dans leur pays d’origine, cela prend parfois de longues années avant que les familles ne puissent se reconstituer. Fatima-Zohra est réalisatrice, née et ayant grandi à Bruxelles dans une famille marocaine. Elle nous fait le récit d’une histoire mainte fois racontée par sa mère : elle n’a pas reconnu son propre père lorsque celui-ci est revenu pour la première fois au Maroc. Partant de cette histoire de famille, Fatima-Zohra redonne un sens qui lui est propre aux notions d’immigration, de séparation et de solitude.
NL - De eerste immigratiegeneratie bestond dikwijls uit individuele mannen, van wie de vrouw en kinderen in het thuisland bleven. Het kon jaren duren vooral de families herenigd werden. Fatima-Zohra is een filmmaakster geboren en opgegroeid in Brussel in een Marokkaanse familie. Ze herinnert zich regelmatig een verhaal dat haar moeder haar vertelde: Fatima-Zohra's moeder herkende haar eigen vader niet na zijn eerste terugkeer uit België naar zijn thuisland. Deze herinnering vormt het startpunt van Fatima-Zohra’s verhaal over migratie, afscheiding en eenzaamheid.
A project by Bouchra Khalili, initiated and coproduced by Kunstenfestivaldesarts 2020 in the context of The Diasporic Schools.
More info: https://kfda.be/en/festivals/2020-edition/programme/an-audio-family-album/
For two decades, Bouchra Khalili’s work has articulated contemporary migratory trajectories, colonial continuum, and the politics of memory of internationalist struggles and collective emancipation. In An Audio Family Album, Bouchra Khalili continues her investigation of Al Assifa’s methodology based on the dying tradition of Al-halqa, the oldest performing art in North Africa. Collaborating with a younger generation of members of the same communities living nowadays in Europe, she proposes an online archive of voices, bringing together stories of emancipation that have helped shape the memories and contemporary strategies of diaspora struggles and that, through this process, are passed on from one generation to the next.
Episode #6: Notes for an Introduction to an Amazigh Epistemology with Radouan Mriziga
EN - Radouan is a Moroccan-born, Brussels-based choreographer. Tafukt (2020) is a dance solo and the first part of a trilogy focused on epistemologies and mythologies of the Tamazigh – the indigenous population of North Africa. For his contribution to An Audio Family Album, Radouan interrogates new forms of Amazigh epistemology and its potential for diasporic communities.
FR - Radouan Mriziga est un chorégraphe marocain vivant et travaillant à Bruxelles. Tafukt (2020) est un solo de danse créé par Radouan, il constitue le premier volet d’une trilogie dans laquelle le chorégraphe explore les mythologies et épistémologies de la culture Tamazigh (une population indigène de l’Afrique du Nord). Pour sa participation à An Audio Family Album, Radouan aborde de nouvelles formes d’épistémologies Amazigh et questionne leur potentiel pour les communautés diasporiques.
NL - Radouan is een in Marokko geboren en in Brussel gevestigde choreograaf. Tafukt (2020) is een danssolo en het eerste deel van een trilogie die de epistemologieën en mythologieën van de Tamazigh – een autochtone bevolking in Noord-Afrika - behandelt. Voor zijn bijdrage aan An Audio Family Album, bevraagt Radouan nieuwe vormen van Amazighepistemologie en de mogelijkheden die het gemeenschappen in diaspora kan bieden.
A project by Bouchra Khalili, initiated and coproduced by Kunstenfestivaldesarts 2020 in the context of The Diasporic Schools.
More info: https://kfda.be/en/festivals/2020-edition/programme/an-audio-family-album/
