O romantismo na música foi um movimento artístico e cultural que teve seu auge na Europa do século XIX. Ele surgiu como uma resposta ao classicismo e se caracterizou por uma maior expressividade e subjetividade na música. A Alemanha foi um dos centros mais importantes do Romantismo na música, com compositores como Ludwig van Beethoven, Franz Schubert, Robert Schumann e Johannes Brahms, Wagner A Áustria também teve uma grande contribuição para o Romantismo musical, com compositores como Franz Liszt e Anton Bruckner. O Romantismo francês na música foi marcado por compositores como Hector Berlioz, Georges Bizet Na Itália, compositores como Giuseppe Verdi e Gioachino Rossini foram importantes figuras do Romantismo na música. A Rússia também contribuiu significativamente para o Romantismo musical, com compositores como Piotr Tchaikovsky, Sergei Rachmaninoff e Modest Mussorgsky. Com certeza o autor mais importante do período romântico no Brasil foi Carlos Gomes conhecido como o "pai da ópera brasileira". Ele compôs óperas como "O Guarani", "Fosca" e "Salvator Rosa", que foram bastante populares em sua época. #historiadamusica #origensdamusica #musicanorenascimento Página Facebook: https://www.facebook.com/PrimeirosAcordes Twitter: https://twitter.com/MarcosDupra Instagram: https://www.instagram.com/primeirosacordes.com.br/ Créditos: Marcos Duprá - professor Site: www.primeirosacordes.com.br

A música no classicismo, ocorreu aproximadamente entre meados do século XVIII até o início do século XIX, é marcada pela valorização da tradição, ordem, estabilidade e beleza formal. Durante o período clássico, vários compositores desempenharam um papel importante no desenvolvimento da música clássica: Mozart, Haydn, Hummel, Beethoven, Gluck, entre outros. #historiadamusica #origensdamusica #musicanorenascimento Página Facebook: https://www.facebook.com/PrimeirosAcordes Twitter: https://twitter.com/MarcosDupra Instagram: https://www.instagram.com/primeirosacordes.com.br/ Créditos: Marcos Duprá - professor Site: www.primeirosacordes.com.br

Descubra o período Barroco na música que ocorreu entre 1600 e 1750, caracterizado por um estilo elaborado que enfatizava as emoções e contrastes dramáticos. Esse período teve início na Itália e rapidamente se espalhou para outros países, como França, Alemanha e Áustria. Alguns dos compositores mais importantes deste período incluem Alessandro Scarlatti, Antonio Vivaldi, Jean-Baptiste Lully, Johann Sebastian Bach e Francisco António de Almeida. O Barroco foi um período de grande inovação e experimentação na história da música, e os compositores deste período utilizaram muitas técnicas diferentes para criar suas obras, como o contraponto e o baixo contínuo. #historiadamusica #origensdamusica #musicanorenascimento Página Facebook: https://www.facebook.com/PrimeirosAcordes Twitter: https://twitter.com/MarcosDupra Instagram: https://www.instagram.com/primeirosacordes.com.br/ Créditos: Marcos Duprá - professor Site: www.primeirosacordes.com.br

A música durante a Renascença (séculos XV e XVII) foi uma época de grande desenvolvimento muito fruto das experiências musicais da Idade média. Precisamos entender que não é tão claro onde termina a idade média e começa a Renascença. Compositores importantes da época incluem: Giovanni Pierluigi da Palestrina, William Byrd e Claudio Monteverdi. Alguns dos instrumentos musicais mais importantes incluem: Viola da gamba, Alaúde, Clavicórdio, Flauta, Rabeca, Cravo. Durante o Renascimento, as técnicas de composição musical incluíram: imitação, contraponto, homofonia, uso de escalas e acordes, e formas musicais fixas (como a canção e o madrigal). A música renascentista também prestou muita atenção à textura, harmonia e voz, buscando equilíbrio e clareza na apresentação de idéias musicais. #historiadamusica #origensdamusica #musicanaprehistoria Página Facebook: https://www.facebook.com/PrimeirosAcordes Twitter: https://twitter.com/MarcosDupra Instagram: https://www.instagram.com/primeirosacordes.com.br/ Créditos: Marcos Duprá - professor Site: www.primeirosacordes.com.br

Neste canal, vamos explorar a história da música e combater mitos e preconceitos sobre a Idade Média. A música evoluiu e muito durante a Idade Média. Durante o período conhecido como "Alta Idade Média" (séculos IX a XI), a música era predominantemente monódica e consistia em uma única linha melódica sem acompanhamento harmônico. A música litúrgica da Igreja Católica era uma das principais formas de música da época e era geralmente cantada pelos monges e padres durante os cultos. Santo Ambrósio e Papa Gregório são homens fundamentais para o canto litúrgico, pois valorizaram a música para a liturgia e criaram o chamado "cantochão". O canto gregoriano tem a sua origem na tradição do canto romano, é melodicamente simples e para cada silaba cantada corresponde a uma nota. è na idade média que temos o começo da da polifonia, e ela começa a acontecer na"Baixa Idade Média" (séculos XII a XIV), a música evoluiu para incluir múltiplas vozes e harmonia. Isso foi possível devido ao desenvolvimento de novas técnicas vocais e instrumentais, como o uso de canto polifônico (várias vozes cantando diferentes melodias ao mesmo tempo). O Primeiro grande exemplo registrado desse trabalho com vozes distintas, conhecido como Organum, é do século X, mas provavelmente já existia no século IX, O nome da canção é Musica Enchiriadis. Dado o primeiro passo em direção a polifonia, o passo seguinte é o advento de uma terceira voz formando uma triáde. Um belo exemplo do ´seculo XII é Sederrunt de Perrotã A música secular também começou a se desenvolver, e incluía formas como o canto de trovadores e jograis, que se espalharam pela Europa. A diferença entre trovador e jogral está em sua classe social, o trovador era da nobreza. Os trovadores eram poetas e músicos que criaram em elemento que até então existia o homem romântico. #musicanaidademedia #historiadamusica #ocomeçodaharmonia Página Facebook: https://www.facebook.com/PrimeirosAcordes Twitter: https://twitter.com/MarcosDupra Instagram: https://www.instagram.com/primeirosacordes.com.br/ Créditos: Marcos Duprá - professor Site: www.primeirosacordes.com.br

A música da Antiguidade as raízes da música ocidental. Nesse episódio Marcos Duprá, da Primeiros Acordes, fala sobre a música na Antiguidade, incluindo a música no Egito antigo, na Grécia antiga e na Roma antiga. A música era considerada importante e tinha uma forte presença em cerimônias religiosas, eventos sociais e jogos esportivos. Em geral, os músicos eram escravos ou libertos, mas havia também músicos profissionais respeitados e valorizados. A música era usada para acompanhar orações e rituais, para divertir convidados, e até para dar ordem de ataque nas guerras. Na Grécia, Platão propôs restrições à música popular e aos músicos, enquanto na Roma a música era presente em tudo, desde cerimônias religiosas até tavernas e bares. #musicana antiguidade #historiadamusica #músicanagrecia Página Facebook: https://www.facebook.com/PrimeirosAcordes Twitter: https://twitter.com/MarcosDupra Instagram: https://www.instagram.com/primeirosacordes.com.br/ Créditos: Marcos Duprá - professor Site: www.primeirosacordes.com.br

Os sons da pré-história uma jornada pelos primórdios da música. Nesse episódio Marcos Duprá, da Primeiros Acordes, explica como a música pré-histórica deu origem à música moderna. Descubra como os homens pré-históricos criaram instrumentos musicais, como a flauta de osso de abutre datada entre 43000 e 82000 A.C. Saiba como a música poderia ter sido usada para fins diversos, como imitar sons da natureza, sinais de aviso e entretenimento. Esse episódio começa com um cenário hipotético de uma batalha espacial para ilustrar a exigência básica do som, que é a presença de ar para propagá-lo. O programa explica então que não há som no espaço e que a música só pode existir onde há vida inteligente e discute a evolução da habilidade humana de criar ferramentas e instrumentos. Entenda como a música já existia desde a Idade da Pedra e não começou com o Spotify da Anita. #historiadamusica #origensdamusica #musicanaprehistoria Página Facebook: https://www.facebook.com/PrimeirosAcordes Twitter: https://twitter.com/MarcosDupra Instagram: https://www.instagram.com/primeirosacordes.com.br/ Créditos: Marcos Duprá - professor Site: www.primeirosacordes.com.br

Nessa aula aberta de guitarra, vamos aprender a improvisar e criar solos de Blues. Aprenderemos a escala pentatônica menor e localizar notas-alvo e como criar melodias. #AprendaImprovisarNaGuitarra

Para quem quer aprender a improvisar no Blues, estão abertas as inscrições para o nosso Curso ao vivo. 3 meses de aulas com professor Marcos Duprá + Curso gravado com 300 minutos de aula. Vagas limitadas:

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No episódio de hoje vamos falar sobre a relação humana da dor com o Blues. Como esse sentimento traz a força e a atualidade do blues mesmo num mundo estranho onde o sentimento valorizado é sempre a felicidade a qualquer custo. Esse blues foi composto há uns 15 anos atrás depois que ouvi a música Hard Times de Ray Charles, o nome é "Blues dos miseráveis", espero que gostem!!

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Você parou pra ouvir seu filho? Já prestou atenção nos elementos que formam a sua criatividade? Seu filho já começou a cantarolar uma canção, sem você perceber que ele estava compondo uma canção? 

No episódio de hoje vamos compor uma parceria com minha neta de 3 anos, e foi uma experiência única que juntou duas cabeças e mundos completamente diferentes. Mas em um momento nossos mundos se encontraram através dessa canção.

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Nesse episódio vamos criar uma trilha sonora de ação e vamos usar como referência: Missão Impossível - Lalo Shiffrin, SWAT - Barry de Vorzon, 007 - Monty Norman. 

3 elementos precisam estar presentes numa trilha de ação: Tensão, preparação e resolução. Esses elementos formam a base para a criação da imagem sonora. Normalmente essas trilhas trabalham na tonalidade menor, e trabalham com a escala menor natural e melódica para acrescentarem e tirarem tensão da canção.

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Nesse episódio vamos compor uma trilha para um drama, vamos usar como referências 3 compositores de peso: Enio Morricone, John Williams, e John Barry, respectivamente os temas de cinema paradiso, lista de Schindler e Em algum lugar do passado.

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Nesse episódio vamos compor uma trilha sonora para suspense. Vamos falar sobre compositores como: Bernard Herrmann (Psicose), John Williams (Tubarão), Mark Snow (arquivo X). Numa trilha para suspense você tem dois grandes momentos o mistério e o suspense, sendo que o mistério é algo que já aconteceu e precisa ser resolvido, e o suspense é algo que está para acontecer e você não tem como avisar o personagem.

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Nesse episódio vamos criar um Jazz ao estilo anos 30, usando como referência "West end Blues" de Louis Armstrong, uma canção que organizou os padrões e a forma de tocar Jazz, saindo da improvisação coletiva e valorizando a improvisação individual. Essa é um diferença básica entre o Jazz de New Orleans e o Jazz de Louis Arsmtrong em diante.

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No episódio de hoje vamos continuar a série de canções infantis para o "Mundo Mágico de Alice". Dessa vez vamos compor uma canção para ensinar a criança a escrever a letra "L", e vamos usar como estilo o Rap. A intenção não é compor um Rap puro mas uma canção que dialogue com o estilo e faça a criança sentir que não é algo distante do mundo que ela vive.

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Nesse episódio vamos compor uma funk music e conversar um pouco sobre a influência do minimalismo, nesse estilo. A funk music com certeza é uma concepção do James Brown mas é acima de tudo uma construção coletiva com influência do Jazz modal. Hoje vamos construir uma canção e conversar um pouco sobre os grandes músicos desse estilo como: James Brown, Stevie Wonder, KC and Sunshine band, Chic, Earth wind of fire.

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Nesse episódio vamos falar sobre música infantil, e as dificuldades encontradas para chamar a atenção da criança. Por trás de uma canção infantil sempre tem uma pesquisa profunda.

Na criação dessa canção trabalhamos com elementos psicodélicos como Castelo rá tim bum, I' am the Walrus, Bike do Pink Floyd. Entrando dentro do mundo de Alice no País das maravilhas e o mundo dos sonhos tão presentes na imaginação da criança.

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Vamos compor um Funk Music. Será uma música instrumental e a melodia principal será tocada pela Guitarra. Usaremos como referência antigos magos como: Jeff Beck e Stevie Wonder, entre outros.

Melodia

O principal ingrediente da poção é a melodia, para essa canção criei primeiro o groove no teclado usando o som de um Clavinet, ao estilo de Stevie Wonder, depois criei a melodia do tema na guitarra. Conforme a melodia do tema principal foi surgindo, fui definindo a estrutura, que ficou baseada em Forma A, forma B, forma A. O Tom principal da canção é C Dório.

Harmonia

A estrutura harmônica ficou assim:

Parte A

Cm | Cm | Cm | Cm | Cm |

Cm | Cm | Cm | Cm | Cm |

F7 | Eb | D7 |G7 |

Parte B

Cm | Cm | Cm | Cm | Cm |

Cm | Cm | Cm | Cm |

G Ab | G F | G Ab |

Parte C - solo guitarra

Cm | Cm | F7 | F7 | 9 x

Cm | Cm | G Ab | G F | G Ab |

A harmonia foi executada pelo Clavinet, com subdivisões de semicolcheias criando acentuações típicas do estilo da funk music. Um belo exemplo desse estilo você encontra na música Superstition de Stevie Wonder.

Ritmo

Na funk music um ingrediente essencial da poção é o ritmo. Como o clavinet também toca uma linha de Baixo, o contrabaixo precisava preencher os espaços vazios com muito swing, sem brigar com o clavinet e nem perder a acentuação da bateria.

Para toda poção, precisamos colocar uma pimentinha. Por isso usamos a mão direita do Clavinet para criar uma acentuação com os acordes.

O Solo

O Solo da guitarra foi baseado no estilo de Jeff Beck, na sua fase Fusion.

Basicamente criei o solo pensando no modo C dórico. Para dar impacto alternei a escala de C Dório com a pentatônica de Cm. Em alguns momentos foram usados arpejos para dar a sensação de movimento saltitante, e notas cromáticas para ligar um acorde a outro.

Pense a composição de forma estruturada e que acima de tudo transmita o que você deseja. Vamos fechar com um ensinamento do Mago Albert Einstein: “Além das aptidões e das qualidades herdadas, é a tradição que faz de nós aquilo que somos.”

Até a próxima lição meus queridos pupilos.

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Vamos compor uma Guarânia. Será uma música instrumental e a melodia principal será tocada pela Viola Caipira. Usaremos como referência antigos magos como: Tião Carreiro, Almir Sater.

O primeiro e principal ingrediente da poção é a melodia, para essa canção criei primeiro a melodia na viola caipira. Conforme a melodia do tema principal foi surgindo, fui definindo a estrutura, que ficou baseada em Parte A, parte B, Parte A.

A parte A está em C# Dório, e a parte B em C# Frígio.

Harmonia

A estrutura harmônica ficou assim:

Parte A

C#m7 | F#7(11) | C#m7 | F#7(11) |

C#m7 | F#7(11) | E    | B       |

Parte B

D9  | D9  | A9 | A9 |

D9  | D9  | C#7/4 | C#7 | 2ª vez | E |

Ao criar o arranjo, tente imaginar qual a estória que sua melodia está contando. Observe que na parte “A”, podemos imaginar uma pessoa cavalgando em seu cavalo e refletindo sobre a vida. Na parte “B” temos uma melodia que passa a sensação de tensão como se essa pessoa estivesse subindo uma montanha em seu cavalo com muitas emoções fortes em sua cabeça. Você pode imaginar muitas outras estórias para a sua melodia. Procure deixar ela contar a sua estória.

ritmo

O próximo ingrediente da poção, será o ritmo. O ritmo dessa canção é a Guarânia. Por isso criamos um groove de contrabaixo e um acompanhamento de Violão, que se completassem, sem brigar com o tema da Viola Caipira.

Pense os acordes de uma canção como a roupa que veste a melodia. Os acordes usados aqui foram consonantes para sugerir a simplicidade da relação do homem com a natureza.

Solo

Para toda poção, precisamos colocar uma pimentinha. Por isso usamos o solo da Viola Caipira e do Violão para uma liberdade melódica e causar um contraponto a melodia do tema.

A Viola Caipira, toca seu solo usando muito o elemento da ressonância, procurando preencher os intervalos de sexta com as cordas soltas. Depois usa o modo Dório para preparar para a entrada do solo do violão.

O Violão, usa em seu solo o modo Frígio, o que dá uma sensação de paixão bem ao estilo da música espanhola.

Pense a composição de forma estruturada e que acima de tudo transmita o que você deseja. Vamos fechar com um ensinamento do Mago Albert Einstein: “Além das aptidões e das qualidades herdadas, é a tradição que faz de nós aquilo que somos.”

Até a próxima lição meus queridos pupilos.

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Curso de Contrabaixo:

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Curso de Viola Caipira

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Hoje vamos compor um chorinho em ritmo de samba-canção. O samba canção é um estilo musical que ficou muito conhecido por Magos da Composição como: Cartola e Lupicínio Rodrigues. O Samba-canção lembra muito o bolero e era conhecido em sua época como samba de dor de cotovelo. Por isso o samba-canção é recheado do mais humano de todos os sentimentos humanos, a tragédia.

Agora que já sabemos que, a tragédia, será um dos elementos mais importantes para nossa poção, devemos reunir todos os outros ingredientes.

Para a melodia escolher uma tonalidade menor seria fundamental para dar essa sensação. Como a melodia seria tocada pelo cavaquinho a tonalidade de Ré menor seria bem interessante.

Para obter um contraste e não nos afundarmos em melancolia, podemos dividir a canção e duas partes. Na parte “A” a melodia seria mais melancólica, e na parte “B” a melodia seria mais contemplativa sem ser alegre demais, e para isso buscar o relativo maior da tonalidade de Ré menor, que seria o Fá maior, poderia ser interessante. Para que a melodia tivesse uma sensação dramática o uso de escalas harmônicas e melódicas também são um ótimo recurso.

Agora precisamos pôr o tempero na poção, que é a harmonia.

Parte A

Dm  | Dm/C  |  E7  |  Gm6  |  A7(#5) | Dm  | A7(#5) |

Dm  | D7    | Gm7 |  G7    | E   E7 | A7(#5) |

Dm  | Dm/C  |  E7  |  Gm6/Bb  |  A7(#5) | Dm  | A7(#5) |

Dm  | D7    | Gm7 |  G7/B    | E   E7 | C#7 C7 |

Parte B

F7M | D7 | Bb  | C7 |

F7M | D7 | Bb  | C7 |

Fm  | G#  | G7   E7 | A7(#5) | A7 |

Final

Dm  | Dm/C  |  E7  |  Gm6/Bb  |  A7(#5) |

Dm  | Bb7M(#11) | A7(#5) |  Dm7(9/11) |

Como a harmonia seria tocada pelo Violão, optei pelo Violão de 7 cordas para poder ter as linhas de baixo bem definidas.

Tocado o tema principal, decidi colocar um solo de cavaquinho bem ao estilo do Mago Waldir Azevedo, com senso rítmico bem ao estilo dos fados portugueses, muitas notas cromáticas e arpejos de acordes e o uso do trêmolo.

Para ligar o solo do cavaquinho ao solo de Violão, um ingrediente muito bom e hoje quase desconhecido, era o contraponto de Bach. O cavaquinho toca uma melodia, que será repetida no compasso seguinte pelo Violão. Isso dá a canção a sensação de dicotomia entre o masculino e o feminino, a sensação de uma discussão de casal.

Finalmente o solo do violão é tocado passeando pelos acordes e recheado de notas cromáticas sincopadas.

A canção volta ao tema principal e se encerra com o acorde: Dm7(9/11), o que nos dá a sensação de que toda a história não foi bem resolvida.

Como diria o mestre Nelson Rodrigues: Amar é ser fiel a quem nos trai. Creio que essa frase defina bem a atmosfera do samba-canção.

Até a próxima lição meus queridos pupilos.

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